T h e B i g K a h u na B l o g

Las cápsulas de esta semana vienen cargadas de ladrones de perros, vidas futuras, habitaciones futurísticas, psicópatas, I-Pads, líos familiares, drama y prótesis, MUCHAS prótesis, así que ahí van:

SI FUERA FÁCIL (THIS IS 40) de Judd Apatow

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Nadie sabe retratar las miserias del ser humano en clave de comedia como lo hace Judd Apatow. Si fuera fácil confirma la tendencia que mostraba el cineasta de hacer madurar, en sus trabajos como director, esos personajes “peterpanescos” de sus producciones locas como Hermanos por pelotas. Su último filme se centra en radiografiar los efectos de la llamada “crisis de los 40” (franja de edad que ya abarcó en Virgen a los 40) sobre la vida conyugal desde una perspectiva más madura y casi autobiográfica (las actrices son su mujer y sus hijas en la vida real) pero sin perder ese tono punzante y cabrón que le caracteriza. Una excelente comedia tan franca y retorcida como la vida misma, que certifica a Apatow, una vez más, como el gurú de la comedia moderna norteamericana.

Estáte atento a:Las bromas de Lost y Mad Men y las innumerables referencias a la cultura popular, tanto musical como cinéfila

Nota:8/10

BLUE VALENTINE de Derek Cianfrance

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Muchas películas han retratado las vicisitudes del amor, pero pocas han retratado la parte más irracional y contradictoria de ese sentimiento con la intensidad con la que lo hace Blue Valentine. Tres años han tenido que pasar para que podamos disfrutar en nuestras pantallas de este excelente drama romántico crepuscular que pivota sobre dos de las más potentes interpretaciones del 2010. Ryan Gosling (cual Marlon Brando en Un Tranvia Llamado Deseo) y Michelle Williams se meten de lleno en sus respectivos personajes para transmitirnos con virulencia ese punto en una relación en que la pasión se ha desvanecido y sólo queda la repulsa. Aquí no hay lugar a la comedia, a la compasión o la autocomplacencia, sólo destrucción y uno de los finales más desgarradores que uno recuerda.

Estáte atento a:los matices de las interpretaciones de los actores

Nota:8/10

CLOUD ATLAS (EL ATLAS DE LAS NUBES) de Tom Tykwer y Andy y Lana Wachowski

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Al salir de ver Cloud Atlas, uno no sabe si acaba de presenciar la obra maestra de ciencia ficción del siglo XXI o una soberana memez new age de dimensiones estratosféricas. 3 horas de arrebatadora potencia visual, una apelación a la trascendencia de la palabra como elemento constructor del (supuesto) trasfondo filosófico del discurso y un burlesco sentido de la autoparodia son los ingredientes de este mastodóntico ejercicio de Forma pero de vacuo Fondo. Dicen (dicen…) que habla sobre el “eterno retorno”, aquella teoría de que los actos que hagas en el presente tienen repercusión en el futuro o en posibles vidas sucesivas… Una especie de Magnolia en clave fantástica que fracasa en sus repetidos intentos de convertirse en la película de ciencia ficción definitiva.

Estáte atento a:El excelente montaje que enlaza (¿?) las seis historias y el jocoso desfile de prótesis

Nota:5/10

SIETE PSICÓPATAS de Martin McDonagh

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Pastiche postmoderno que bebe de otras películas también postmodernas como Pulp Fiction, Snatch, cerdos y diamantes o Kiss Kiss Bang Bang pero que aún y así, consigue destacar con identidad propia gracias a su soberbio guión cargado de personajes memorables (el de Rockwell o el del recuperado Tom Waits) y una cantidad ingente de humor negro realmente hilarante. Martin McDonagh continúa con su (bendita) obstinación de humanizar a los gánsteres mostrándonos sus debilidades y traumas personales y nos regala esta joya del subgénero que irremediablemente quedará grabada en la lista personal de cualquier cinéfilo como película de culto a destacar.

Estáte atento a: el sensacional mini relato ilustrado que se marca Sam Rockwell

Nota:9/10

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Aquí y allá, el debut en el largometraje del español Antonio Méndez, llega hoy a nuestras pantallas después de ganar el premio de la Semana de la Crítica del pasado Festival de Cannes. Un hombre mejicano vuelve a su pueblo natal con su familia después de haber trabajado varios años en EEUU. Este es el punto de partida de una película que sigue la estela de ese tipo de cine que se proyecta sobre la realidad y que intenta eliminar cualquier barrera cinematográfica buscando el mayor realismo posible. Por ello no sorprende que su director nombre a autores como Pedro Costa o Hou Hsiao-Hsien como sus principales referentes, de hecho, el proceso creativo de este filme es parecido al que llevó a cabo Pedro Costa cuando rodó En el cuarto de Vanda (2000). A continuación nos lo cuenta:

1.- En 2009 realizaste el corto Una y otra vezinterpretado por Pedro de los Santos que fue el propulsor de Aquí y allá. ¿Podrías explicarnos un poco la historia entre vosotros dos?

Se podría decir que estaba buscando a un actor no profesional para tratarme de acercar más a la realidad que intentaba reflejar y, entonces, conocí a Pedro en un supermercado y le propuse la idea de que se presentara al casting del corto. La verdad es que me gustó mucho en las pruebas, le di el papel y trabajamos muy bien en el corto. Al finalizarlo, me estuvo contando su vida, sus intenciones de volver otra vez a su pueblo natal, reencontrarse con su familia y montar un grupo de música y fue ahí cuando creí que esa era una buena historia que contar en una película. Lo interesante es que su historia son tres frases, no es más pero, a partir de ahí, ya empiezo a imaginar cómo puede ser su encuentro y decido viajar a su pueblo para empaparme de la cantidad de historias que hay y trato, de alguna manera, de recoger testimonios y aglutinarlos en una ficción.

2.- Me gustaría que definieras con tus palabras lo que has querido contar con la película

En mis cortos anteriores, siempre he tratado el tema del esfuerzo, de estar lejos de los tuyos, de la soledad. En este caso me interesaba mucho explorar “el hogar” y el método para explorarlo puede ser o en la ausencia del protagonista o cuando él vuelve y, realmente, se me brindó la oportunidad con la historia de Pedro de los Santos de optar por la segunda opción.

3. Retrotrayéndonos en el tiempo, en el pasado Festival de Cannes te presentaste a la Semana de la Crítica con Aquí y allá, que es tu primera película y está interpretada por actores prácticamente desconocidos y ganas el premio. ¿Cómo te sentiste y cómo crees que ese premio influyó en la vida del filme?

Antes de ser seleccionados en Cannes vivíamos un poco ansiosos. ¿Dónde se va a estrenar esta película? ¿Quién la va a querer ver? Sabíamos que en la preselección de Cannes había gustado pero nos habían dicho que revisáramos. Que era un poco larga [risas]. Y pensamos, ¿eso qué quiere decir?, ¿está dentro del Festival?, ¿está fuera? [risas]. Bueno, finalmente, nos aceptaron y eso era lo que queríamos, que la película entrara en un festival y que mejor que en uno tan prestigioso como Cannes. A partir de ahí, el premio fue totalmente inesperado y, quizás, nos hemos dado cuenta de la importancia del mismo por la valoración que hace la prensa y el público y no en el momento en el que lo ganamos. En cuanto a cómo ha influido a la vida del filme, sí que es verdad que ha ayudado mucho porque te da una notoriedad que, de lo contrario, no la hubieras tenido.

4.- La película se ha estrenado en Estados Unidos y en Francia. ¿Cómo ha sido la recepción?

Bien. Han sido estrenos limitados y razonables, de unas 10/12 copias. En Francia, la crítica la ha recibido con mucho entusiasmo y en EEUU empezó en Nueva York y ahora irá a Los Ángeles y Tejas.

5.- Y ¿cómo crees que la va a recibir el público español?

Ojalá que muy bien [risas]. He rodado varios cortometrajes pero no son muy reconocidos a nivel comercial. De hecho, hay mucha gente que dice “parece que el director es mejicano” [risas]. Espero que el público la acoja con cariño y la vea con ganas. Es una apuesta muy fuerte la que hacemos por lanzar la película en cines y ojalá la gente la disfrute.

6.- La Semana de la Crítica de Cannes ha descubierto a grandes talentos del cine como Bernardo Bertolucci, Léos Carax o Wong Kar Wai. ¿No te entra el pánico entrar a formar parte de esta lista?

Hombre, se me viene enorme todo el panorama [risas]. A veces me preguntan por referencias y les digo que Hou Hsiao-Hsien o Pedro Costa y, al mismo tiempo, me entra la risa porque pienso “ellos son unos maestros y tú eres un niño”. Ojalá pueda tener una carrera tan larga como la suya, de varios proyectos encadenados uno tras otros y cometer errores y, también aciertos. Ir descubriendo un poco el tipo de cine que quiero hacer. Sobre todo, esta película ha sido un paso importante para descubrir lo que quiero hacer. Por eso, cuando me hablan de todos esos nombres, claro que me intimidan y pienso que aunque no llegue a su nivel, por lo menos poder seguir haciendo películas.

7.- Has mencionado a Hou Hsiao-Hsien y Pedro Costa como tus referentes. ¿Cómo te han influenciado en tu manera de hacer cine?

Son directores a los que admiras como también lo son Jia Zhang-ke y tantos otros. Me gusta mucho la mirada que sostienen sobre los temas que tratan y la fluidez de sus películas. Son unos directores que trabajan mucho por acumulación.

8.- ¿Podrías hablarnos un poco de si tienes futuros proyectos?

Sí que tengo. Tenemos una productora, que es “Aquí y allí Films”, con la que queremos producir dos largos, uno de Carlos Vermut (Diamond Flash) y otro de Federico Veiroj (La vida útil) y, si todo va bien, queremos producir también mi segundo largo para el año que viene.

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Lo mejor: La elegancia y la sutileza en la dirección y los intérpretes

Lo peor:El ritmo del tercer acto

Puntuación:8/10

En ocasiones, los dramas de época no consiguen ir más allá de la simple recreación, con mayor o menor fortuna, del momento histórico en el que están ambientados. Tal es el caso de filmes como Basil (1998), Elizabeth: la edad de oro (2007) o La duquesa (2008) que, sin dejar de ser buenas películas, no consiguen romper esa fría barrera ornamental que las envuelve y llegar al calor de las emociones de la historia que están contando.

La danesa, Un asunto real, consigue superar esa barrera ofreciéndonos un emocionante relato de amor, amistad y reproducción histórica que va de menos a más. El filme nos sitúa en los albores de la Ilustración en la Dinamarca de mediados del siglo XVIII, en pleno reinado de Christian VII. Su reinado se caracterizó por su delicada situación mental (al borde de la demencia) que le impidió gobernar como Rey efectivo y el curioso triángulo de influencia que se formó entre él, su esposa Carolina Matilde de Hanóver y su médico personal Johann Friedrich Struensee.

Se trata de una película que hace, de lo pequeño, algo grande. Parte de lo íntimo para llegar a lo histórico. A partir de las relaciones personales de los personajes se nos representa una época marcada por una represión intelectual llevada a cabo por la iglesia y la burguesía, en la que las ideas liberales de unos pocos clamaban salir a la luz pero, sobre todo, lo más fascinante de la cinta es cómo consigue dar vida a todos esos detalles que no aparecen en los libros de Historia y que cambiaron el curso de los acontecimientos.

Las frases, los diálogos, los sentimientos y los gestos sutiles de los intérpretes son captados por el director, Nikolaj Arcel, con el clasicismo característico del género otorgando, a cada momento, el tono preciso que la narración requiere. De esta manera, vamos desde puntuales momentos cómicos hasta el drama más doloroso, pasando por instantes conmovedores de una delicadeza y elegancia sensacional que encuentran, en el baile de máscaras, el cénit emocional del filme.

De apariencia solemne y entrañable corazón, Un asunto real agradará tanto a los amantes del género como a los que no son devotos del mismo, gracias a la exploración de temas tan universales y atemporales —como el amor o la lucha contra la opresión— que cualquiera podrá empatizar con ellos.

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Ficha técnica

Título: Un asunto real

Título original:En kongelig affaere

País: Alemania, Suecia, Dinamarca, República Checa

Dirección: Nikolaj Arcel

Guión: Nikolaj Arcel, Rasmus Heisterberg y Lars Von Trier

Novela original: Bodil Steensen-Leth

Fotografía: Rasmus Videbæk

Música: Gabriel Yared

Año: 2012

Duración: 128 min.

Reparto:Mads Mikkelsen, David Dencik, Alicia Vikander, Søren Malling, Trine Dyrholm, William Jøhnk Nielsen, Cyron Bjørn Melville, Rosalinde Mynster, Thomas W. Gabrielsson, Kenneth M. Christensen, Laura Bro, Bent Mejding, Erika Guntherová, Mikkel Følsgaard, Klaus Tange, John Martinus, Karin Rørbeck

Distribuidora: Golem Distribución

Productora: Sirena Film, Sveriges Television (SVT), Zentropa Entertainments, Film i Väst, DR TV

Departamento artístico: Anders Huulgaard, Jiri Macke, Veronika Skorepov
Departamento editorial:Jesper Bækdal, Lárus Ren Gudbjörnsson, Morten Sylvest Arnoldus

Departamento musical: Mikkel Maltha, Peter Juul Kristensen

Diseño de producción: Niels Sejer

Efectos visuales: Jeppe N. Christensen, Rikke Hovgaard Jørgensen

Maquillaje: Billie Rüse, Ivo Strangmüller, Judith Kröher, Linda Dvorakova

Montaje: Kasper Leick, Mikkel E.G. Nielsen

Producción asociada: Charlotte Pedersen

Producción ejecutiva: Peter Aalbæk Jensen, Peter Garde

Sonido: Claus Lynge, Hans Koch, James Shannon, Petr Cechák, Roman Rigo

Vestuario: Lena Tajerova, Maika Schörbel Manon Rasmussen Monika Jordan

Premios

2012:Oscar: nominada a la mejor película de habla no inglesa
2012:Globos de Oro: nominada a mejor película de habla no inglesa
2012:Festival de Berlín: 2 Osos de Plata: Mejor actor (Mikkel Boe Følsgaard) y guión
2012:Premios César: Nominada a Mejor película extranjera
2012:Festival de Toronto: Nominada al Premio del Público (Mejor película)
2012:Festival de Sevilla: Sección oficial largometrajes a concurso
2012:Premios del Cine Europeo: 2 nominaciones: mejor música y diseño de producción
2012:Satellite Awards: Mejor vestuario. 3 nominaciones

Tráiler

Las cápsulas de esta semana vienen cargadas de niñas y prostitutas, concursos de canto, aviones, potadas, guerra, azafatos y pluma, MUCHA pluma, así que ahí van:

DANDO LA NOTA (PITCH PERFECT) de Jason Moore

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Leer mi crítica entera en "Ecartelera"

Dando la notatiene todas las papeletas para convertirse en el guilty pleasure del año. Es de ese tipo de películas que uno se avergüenza de ella cuando la está viendo pero, al mismo tiempo, se lo está pasando en grande, porque, sí, Dando la nota, se agarra a los clichés de la comedia teen que da gusto pero, a la vez, es extremadamente divertida. Es una mezcla entre la serie Glee con Step Up (2006) y Chicas Malas (2004), es decir, un montón de cursiladas con momentos espectaculares y mucho sarcasmo e incorrección en sus chistes. No exagero si digo que, con toda seguridad, esta película va a estar en todas las listas de lo mejor del año.

Estáte atento a:el "momento lapicero" de Kendrick y el solo de Rebel Wilson

Nota: 7/10

LAS FLORES DE LA GUERRA de Zhang Yimou

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Las flores de la guerra es la última película del maestro chino Zhang Yimou y, probablemente, la más accesible para el gran público. La presencia de Christian Bale como protagonista y una estética cinematográfica más cercana a lo occidental que a lo oriental, hacen que la película tenga una apariencia más familiar para aquel que no esté acostumbrado al cine oriental y de Yimou. Pese a ello, se puede advertir el sello característico del cineasta chino bajo esa gruesa capa formal. Pocos directores saben encontrar la belleza en la pantalla y narrar una historia con tanta sutileza y pulcritud como lo hace Yimou, incluso si se trata de una película sobre los efectos devastadores de la guerra y los actos atroces y, a veces, bondadosos que se cometen en ella como Las flores de la guerra. No se la pierdan.

Estáte atento a:los slow motions en los momentos de guerra

Nota: 8/10

LOS AMANTES PASAJEROS de Pedro Almodóvar

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Siempre he tenido la sensación de que, a pesar de haber triunfado en el melodrama, el Almodóvar más personal es el de Pepi, Lucy, Bom y otras chicas del montón (1980) o el de Mujeres al borde de un ataque de nervios (1988). Incluso en sus películas más dramáticas o en su ligero flirteo con el noir, le salía ese ramalazo loco que tanto le caracteriza. Por ello creo que todos estos años de contención han hecho un efecto rebote que ha explotado en esta comedia locaza e irracional que es Los amantes pasajeros. Un guión cimentado en la absurdidad y el sinsentido, con una ligera crítica social introducida de una manera un tanto grotesca y muchísima pluma. Ante una película con tal descaro sólo queda aplaudir y participar de esta propuesta tan pasada de rosca. Sólo pretende hacer reír, ni más, ni menos. ¿Qué hay de malo en ello?

Estáte atento a:el momento "I'm so excited"

Nota: 7/10

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Lo mejor:El tono y la atmósfera de la primera hora

Lo peor:El tramo final

Puntuación:7/10

Lo más curioso de Steven Soderbergh no es que haya anunciado varias veces su retirada del cine aduciendo su desencanto con la industria de Hollywood para, luego, volver, no con una, sino con varias películas más (lo hizo justo al acabar Contagio e Indomable en el 2011) sino que lo más curioso es que se trata de uno de los directores norteamericanos más prolíficos en activo, con más de 25 películas en su haber y, pese a varios estilemas formales que se repiten constantemente —esos encuadres a la altura de la cintura, ese exceso de planos de todas las Ocean's o ese calculado aspecto formal con una fotografía cuidada al milímetro— es muy difícil trazar líneas temáticas en su filmografía.

Como un funambulista sobre la cuerda que separa a lo comercial de lo independiente, Soderbergh prácticamente ha cambiado de género y de temática en cada uno de sus filmes. Siempre se alaba (y con razón) a directores capaces de dejar una impronta personal en todos sus trabajos pero poco se ensalza a cineastas como Soderbergh o Michael Winterbottom que son capaces de mutar, artísticamente hablando, en cada uno de sus trabajos para amoldarse al tipo de filme que están realizando.

En esta ocasión, el director de Sexo, mentiras y cintas de vídeo, nos presenta una historia de intriga centrada en el mundo de la psiquiatría y la psicofarmacología. Emily, interpretada por la cada vez más solvente Rooney Mara, entra en una profunda depresión cuando su novio (Channing Tatum) regresa a casa después de haber pasado unos años en la cárcel. Después de varias visitas con su psiquiatra personal (Jude Law), accede a tomar un nuevo medicamento que éste le receta y que desencadenará una serie de misteriosos sucesos de ambiguo devenir.

Soderbergh juega a lo largo del filme con el "falso culpable" de Hitchcock y con las "falsas apariencias" de De Palma para crear una trama que funciona a modo de espejismo cognitivo. “La cámara miente siempre, miente 24 veces por segundo” decía De Palma, una frase que podría aplicarse a Efectos Secundarios, no tanto a nivel visual con el uso de los trampantojos o efectos ópticos que utilizaba el director de Vestida para matar, sino a nivel argumental. Soderbergh teje una telaraña de mentiras en la que tanto los personajes como el espectador creen saber la verdad hasta que se revela un nuevo dato que rebate por completo todo lo visto anteriormente. Una historia con numerosas trampas argumentales que se repliega en sí misma y que se impregna, en sus mejores momentos, de aquél misterio que sobrevolaba en las películas del maestro del suspense pero que, a medida que el espectador va descubriendo el funcionamiento del filme, todas esas ideas y esa atmósfera conseguida en la primera hora van perdiendo fuerza para acabar en un desenlace un tanto descafeinado.

El problema de Efectos Secundarios reside en que, si bien funciona en sus primeros dos tercios como (digna) emulación de estilos y fórmulas de genios ya consagrados, en el último, esa fórmula se desgasta por completo dejando a la luz las vergüenzas de Soderbergh que, como acertadamente escribió Óscar Navales en su crítica de TheGirlfriend Experience para la revista on-line Transit: cine y otrosdesvíos, se podrían resumir en que su estilo "refleja antes una pose artística que una actitud creativa honestamente asumida".

Salvando este síntoma idiosincrásico del cine de Soderbergh, el director nos brinda un notable filme de suspense que empieza y acaba con unos planos muy parecidos a los de Roman Polanski en La semilla del diablo para coger al espectador, como si de un quimérico inquilino de Rosemary se tratase, y manipularlo una y otra vez y acabar, muy dignamente, su carrera cinematográfica (o no…).

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Ficha Técnica

Título: Efectos secundarios

Título original: Side Effects

Dirección:Steven Soderbergh

Guión:Scott Z. Burns

Música:Thomas Newman / Children of 13

País:Estados Unidos

Año: 2013

Duración:106 min.

Reparto:Rooney Mara, Carmen Pelaez, Marin Ireland, Channing Tatum, Polly Draper, Haraldo Alvarez, Jude Law, James Martinez, Vladimi Versailles, Jacqueline Antaramian, Michelle Vergara Moore, Catherine Zeta-Jones, Katie Lowes, David Costabile, Mamie Gummer, Steven Platt, Victor Cruz, Vinessa Shaw

Web:www.sideeffectsmayvary.com

Distribuidora:eOne

Productora: Endgame Entertainment, Di Bonaventura Pictures

Presupuesto: 30.000.000,00 $

Diseño de producción: Howard Cummings

Premios

2013: Festival de Berlín: Sección oficial largometrajes a concurso

Tráiler

Se acaba el año y, como de costumbre, toca hacer el balance de lo que hemos podido disfrutar a lo largo del mismo. Este 2013, nos ha dejado grandes acontecimientos cinematográficos: el fenómeno ‘La vida de Adèle’ en Cannes, la noticia de Ben Affleck como nuevo Batman, la tercera parte de la trilogía sobre el amor de Linklater, el suck on that de Winding Refn con ‘Only god forgives’, una nueva película de Paul Thomas Anderson, James Franco pasado de todo en ‘Spring Breakers’, otra exhibición visual para flipar de Xavier Dolan y muchas cosas más. Para THE BIG KAHUNA éste es el resumen de todas las películas que se han estrenado en cines este 2013.

¡ADVERTENCIA! Esta entrada contiene datos reveladores de los filmes de los que se habla

MEJORES INICIOS

'La Gran Belleza':Una historia de vida y muerte y un inicio con vida y muerte. La búsqueda constante de una Gran Belleza que ha abandonado a una ciudad (Roma) y sus gentes. La 'Dolce Vita' del siglo XXI. (se puede ver aquí)

'Antes del anochecer': la cámara se detiene en un primer plano de la cara triste de Jesse (Ethan Hawke) al despedirse de su hijo en el aeropuerto mientras se da la vuelta y le sigue por detrás al salir por la puerta electrónica del edificio y vislumbramos, al fondo del plano, a Celine (Julie Delpy) apoyada en un coche al cual Jesse se acerca y se dispone a conducir mientras la cámara gira ligeramente hacia los asientos traseros y vemos a un par de gemelas rubias durmiendo. Un plano secuencia de 50 segundos que resume 9 años de vida. Jesse y Celine viven juntos y han tenido dos niñas. Precioso.

'Gravity':"La vida en el espacio es imposible" y, acto seguido, un silencio abismal inunda la sala mientras vemos la imagen de la Tierra desde el espacio en un abrumador 3D como nunca antes la habíamos visto de vida. Lo siguiente es un virtuoso (y falso) plano secuencia de unos ¡20 minutos! con cortes disimulados por CGI que acaba con Sandra Bullock disparada sin control hacía el vacío en una de las imágenes más bellas y, a la vez, aterradoras que se han visto en el cine en años. (se puede ver aquí y aquí)

BONUS TRACK--> 'Star Trek: En la oscuridad' (se puede ver aquí)

MEJORES FINALES

'Spring Breakers': un final psicotrópico bañado en neón violeta a ritmo de Cliff Martínez que representa el ocaso de un retrato generacional deformado y visceral. La fantasía de una generación que ha crecido devorando productos audiovisuales prefabricados para la que el paso entre el ver y el hacer es, a veces, muy pequeño. (se puede ver aquí)

'La noche más oscura (Zero Dark Thirty)': la cara de desolación total que pone en primer plano la agente de de la CIA, Maya (Jessica Chastain) después de dar caza a Bin Laden tras 10 años buscándolo demuestran que, en la guerra, no hay lugar a la redención, sólo a la destrucción. (se puede ver aquí)

'The Hunt (Jagten)': todo un homenaje a 'La caza' de Carlos Saura. Un final que demuestra que la Sociedad, representada en esa figura borrosa a contraluz que dispara, juzga de manera irracional sin saber bien lo que está enjuiciando y no perdona nunca. (se puede ver aquí)

BONUS TRACK--> 'Turistas (Sightseers)'(se puede ver aquí)

MEJORES PLANOS


'The Bling Ring'de Sofia Coppola

'12 años de esclavitud'de Steve McQueen

'Gravity'de Alfonso Cuarón

'Only God forgives'de Nicolas Winding Refn

MENCIÓN ESPECIAL

El fascinante diálogo que mantiene el lenguaje cinematográfico y el teatral en la puesta en escena de'Anna Karenina' (se puede veraquí)

Las complicadas coreografías que unos actores tan poco dados al ejercicio tuvieron que aprenderse para las peleas de 'Bienvenidos al fin del mundo (The World's end)' (se pueden veraquí)

El vestuario que lucen todos los personajes de 'Don Jon', digno del Gandia Shore más bizarro. (se puede veraquí)

BONUS TRACK--> el cameo de Michael Cera en 'Juerga hasta el fin' (This is the end)'. (se puede veraquí)

10 MOMENTOS MEMORABLES

10-El juego de imitaciones de James Bond entre Steve Coogan y Rob Brydon en 'The Trip' (se pueden ver aquí)

9- El aterrizaje de emergencia de Denzel Washington borracho en 'El vuelo (The flight)' (se pueden veraquí)

8- La terrorífica reacción de Anwar al volver al sitio donde asesinó miles de personas al final de 'The act of killing'(se puede ver aquí)

7- La salida del armario en clase de Laurence en 'Laurence anyways'(se puede ver aquí)

6-La mazurca de 'Anna Karenina' (se puede ver aquí)

5-El Riff-Off a cappella en la piscina de 'Dando la nota (Pitch Perfect)'(se puede ver aquí)

4- La trascendente pelea de Julian contra Chang en 'Only God forgives'(se puede veraquí)

3- El 'Everytime' de Britney Spears a piano cantado por James Franco en 'Spring Breakers'(se puede ver aquí)

2- El primer "tratamiento" que recibe Freddie para ser parte de "La Causa" en 'The Master'(se puede ver aquí)

1- Adèle Exarchopoulos bailando al son de 'I follow rivers' de Lykke Li en 'La vie d'Adèle'(se puede ver aquí)

TOP 10 PELÍCULAS

10- 'Dando la nota ('Pitch Perfect')' de Jason Moore (leer crítica aquí)

9- 'Rush' de Ron Howard

8- 'Antes del anochecer' de Richard Linklater

7- 'Laurence anyways' de Xavier Dolan

6- 'Spring Breakers'de Harmony Korine (leer crítica aquí)

5- 'La gran belleza' de Paolo Sorrentino

4- 'La vie d'Adèle' de Abdellatif Kechiche (leer crítica aquí)

3- 'Only God Forgives' de Nicolas Winding Refn (leer crítica aquí)

2- 'Gravity' de Alfonso Cuarón (leer crítica aquí)

1- 'The Master' de Paul Thomas Anderson

BONUS TRACK --> 'Stoker' de Park Chan-wook

TOP 10 PELÍCULAS ESPAÑOLAS

10- 'Insensibles' de Juan Antonio Medina

9- 'Stockholm' de Rodrigo Sorogoyen

8- 'La gran familia española' de Daniel Sánchez Arévalo

7- 'Ismael' de Marcelo Piñeyro (leer crítica aquí)

6- 'Las brujas de Zugarramurdi' de Álex de la Iglesia (leer crítica aquí)

5- 'Caníbal' de Manuel Martín Cuenca

4- 'Vivir es fácil con los ojos cerrados' de David Trueba (leer crítica aquí)

3- 'La por (el miedo)' de Jordi Cadena

2- '3 bodas de más' de Javier Ruiz Caldera

1- 'Grand Piano' de Eugenio Mira

BONUS TRACK --> 'Somos gente honrada' de Alejandro Marzoa

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Se acaba el año y, como de costumbre, THE BIG KAHUNA hace balance de lo mejor de este 2014 siguiendo las secciones clásicas de los posts de 2012 y 2013. Este 2014 ha sido un año cinematográfico intenso, con más de 200 películas vistas y 3 festivales (Venecia, San Sebastián y Sitges) a las espaldas pero tranquilos, que en este resumen sólo encontraréis películas que hayáis podido ver, ya sea en salas comerciales o en VOD, a excepción de la masterpiece'Under the skin', que al paso que va no se estrenará en España ni el año que viene... Abrochaos bien los cinturones que esto empieza ya.

¡ADVERTENCIA! Esta entrada contiene datos reveladores de los filmes de los que se habla

MEJORES INICIOS

'Under the skin':indescriptible sensación la de ver y sentir los primeros minutos de este filme en pantalla grande. Una de las mejores experiencias de este 2014. Mezcla de lúgubres sonidos sintéticos, ligeras e intermitentes onomatopeyas para retratar el críptico nacimiento de la primera célula. (se puede veraquí)

'Noé':los fúnebres y solemnes acordes de la BSO de Clint Mansell golpeando tus tímpanos, la historia bíblica de la creación del universo liquidada en 2 minutos con la serpiente, la manzana, la traición de Caín y unos gigantes con forma de almendra garrapiñada que parecen sacados del Paint. Todo un delirio kitsch fascinante. (se puede ver aquí)

'Welcome to New York':difícilmente encontraréis unos 30 min. iniciales este año más demoledores. Abel Ferrara aguanta los planos cruzando la línea que separa lo voyeur de lo incómodo. El retrato obsceno de un animal en celo. Strauss-Kahn visto a través de los implacables ojos de Ferrara. (tráiler del filme aquí)

BONUS TRACK--> el plano secuencia de 20 minutos de la española'10.000 KM'. (tráiler del filme aquí)

MEJORES FINALES

'Enemy':sin duda alguna, el final más impactante de este año con creces. Un hombre enfrentado a sus miedos representados en forma de una gran araña que le amenaza en su subconsciente cada vez que debe afrontar lo que más teme: el compromiso. (se puede ver aquí)

'Orígenes':Utilizar la Ciencia para probar la existencia empírica de Dios o utilizar la frialdad del indie USA para llegar a la calidez del drama romántico más emotivo. ¿Son los ojos el espejo del alma? Mike Cahill lo tiene claro en este vibrante final. Se recomienda verlo con kleenex en mano. (tráiler del filme aquí)

'Jauja': un triunfo fílmico de proporciones armoniosas y calado reflexivo. Un western clásico despojado de sus códigos particulares que, en sus últimos minutos, vira súbitamente a la deriva para entrar en una zona onírica y metafísica en la que sueño y vigilia se confunden para llegar, así, a la trascendencia. La película más bonita de este 2014. (tráiler del filme aquí)

BONUS TRACK-->el demoledor plano final de la española'Hermosa juventud' (tráiler del filme aquí)

MEJORES PLANOS

'The immigrant (El sueño de Ellis)'de James Gray

'Adieu au langage'de Jean-Luc Godard

'Mommy'de Xavier Dolan

'El pasado'de Asghar Farhadi

MENCIÓN ESPECIAL

1. Los pomposos estilismos de 'La gran estafa americana' de David O. Russell, llenos deestrambóticas pelucas, peinados, maquillajes, sortijas y, por supuesto, los escotes de infarto de Amy Adams, toda una bomba interpretativa. (se pueden ver aquí)

2. Ese absorbente baile de imágenes, sonido y música que es 'Upstream color' de Shane Carruth, la película visualmente más anárquica y a-narrativa desde 'Inland Empire'. (tráiler del filmeaquí)

3. El monstruoso proyecto vital de Richard Linklater, que filmó diferentes momentos de la vida de un chaval cualquiera a lo largo de 12 años para elaborar esa obra llamada'Boyhood'que lo consagra como uno de los mejores directores norteamericanos actuales (si no lo era ya...).

BONUS TRACK--> 'I'm Groot'

10 MOMENTOS MEMORABLES

10-Uno de los clímax de 'La gran estafa americana (American Hustle)': el baile en la discoteca y la posterior escena en el baño entre Bradley Cooper y Amy Adams. (se puede veraquí)

9- La secuencia de la creación de 'Let's go fly a kite' de la célebre película Mary Poppins (en España traducido como 'Dale hilo a la cometa') de 'Al encuentro de Mr. Banks'. (se puede veraquí)

8- El momento del baile con ordenador en mano a ritmo de 'The Magnetic Fields - Nothing matters when we're dancing' en '10.000 KM'. (se puede oír la canción aquí)

7- Mark Ruffalo poniendo arreglos musicales en su cabeza a la canción de Keira Knightley en 'Begin again'. (se puede ver aquí)

6-La perfecta y elegante secuencia del asesinato de'Perdida'. (se puede ver aquí aunque con audio distinto)

5-El intenso tramo del acoplamiento espacial de 'Interstellar'con los órganos de Hans Zimmer a todo trapo. (se puede ver aquí)

4- La espídica y graciosa secuencia de 'Quicksilver' en'X-Men: Días del futuro pasado'. (se puede veraquí)

3- La memorable sobredosis de Lemmon Quaaludes de Di Caprio en 'El lobo de Wall Street'. (se puede ver la escena aquí y se puede ver el vídeo que inspiró a Di Caprio aquí)

2- La bellísima secuencia de la captura de movimiento a la que se somete Robin Wright Penn en 'El Congreso'.(se puede ver aquí)

1- La primera abducción del alien Scarlett Johansson en'Under the skin'. Todo un ejercicio de hipnotismo visual y sonoro en pantalla grande. (se puede ver aquí)

TOP 10 PELÍCULAS

http://www.filmaffinity.com/es/film464970.html

http://www.filmaffinity.com/es/film704416.html

1- 'El congreso' 2- 'Under the skin' 3- 'Jauja' 4- 'Interstellar'

Ari Folman Jonathan Glazer Lisandro Alonso Christopher Nolan

http://www.filmaffinity.com/es/film478104.html

http://www.filmaffinity.com/es/film896227.html

5- 'Perdida' 6- 'American Hustle' 7- 'Al filo del mañana' 8- 'Snowpiercer'

David Fincher David O. Russell Doug Liman Bong Joon-ho

http://www.filmaffinity.com/es/film970005.html

http://www.filmaffinity.com/es/film828416.html

9- 'Noé' 10- 'El lobo de Wall Street'
Darren Aronofsky Martin Scorsese

y le siguen...

11- 'Boyhood' deRichard Linklater

12- 'Her' de Spike Jonze

13- 'Welcome to New York' de Abel Ferrara

14- 'El gran hotel Budapest' de Wes Anderson

15- 'La LEGO película' de Phillip Lord, Chris Miller y Chris McKay

16- 'El pasado' de Asghar Farhadi

17- 'Enemy' de Denis Villeneuve

18- 'Coherence' de James Ward Byrkit

19- 'Orígenes' de Mike Cahill

20- 'Guardianes de la galaxia' de James Gunn

BONUS TRACK--> 'Upstream Color' de Shane Carruth

TOP 10 PELÍCULAS ESPAÑOLAS

1-'10.000 KM' 2-'La isla mínima' 3-'Hermosa juventud' 4-'Magical Girl'

Carlos Marqués Alberto Rodríguez Jaime Rosales Carlos Vermut

5- 'El niño' 6- 'Carmina y amén' 7- 'La vida inesperada' 8- 'Musarañas'

Daniel Monzón Paco León Jorge Torregrossa J. Andrés y E. Roel

9- '8 apellidos vascos' 10- 'Todos están muertos'
E. Martínez-Lázaro Beatriz Sanchís

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¡ADVERTENCIA! Esta entrada contiene datos reveladores del filme

James Gray es un cineasta estadounidense no muy conocido entre el público pero considerablemente reconocido por la crítica cinematográfica. Tal vez, habrás oído alguna vez decir que es uno de los mejores cineastas norteamericanos contemporáneos sin saber el por qué. Por ello, The Big Kahuna va a analizar las secuencias más importantes de su película La otra cara del crimen(2000) que son representativas de sus aptitudes como director.

Antes de empezar, hay que aclarar que la sección de DESMONTANDO A… se dedica, única y exclusivamente, a examinar las secuencias para poner de relieve los recursos formales que los directores utilizan y el significado que esos usos pueden tener en la película, demostrando, así, la habilidad que tienen dichos directores tras la cámara. A pesar de ello, no está de más puntualizar que, uno de los principales motivos —sino el que más— de que James Gray haya alcanzado el reconocimiento que tiene actualmente con tan sólo cuatro filmes, es la manera en que ha irrumpido en este movimiento o estilo cinematográfico llamado neo-noir.

El neo-noirse podría definir como aquél tipo de cine que, haciéndose valer de la estructura y la estética del thriller, utiliza gran parte de los elementos del cine negro de la década de los treinta-cincuenta para narrarnos historias de temática actual.

De esta manera, el neo-noir sigue girando en torno a hechos delictivos y criminales como el cine negro pero alterando —sin perder la esencia— sus elementos como puede ser su estética (no se utiliza el característico blanco y negro o el claroscuro y las sombras para exaltar la psicología de los personajes) y, sobre todo, el tono de sus filmes.

Mientras autores como los hermanos Coen, Quentin Tarantino o Guy Ritchie han abordado el neo-noir desde una perspectiva irónica (los primeros) o posmoderna (los dos últimos) y otros, como Martin Scorsese o David Lynch, lo han hecho desde una apasionada cinefilia a ritmo del pop y rock de los 70’ (el primero) o desde la psicología (el segundo), James Gray se adentra en este movimiento alejándose de esa evolución “popular” y aproximándose a sus películas desde un punto de vista más austero, serio y trágico —en el más estricto significado de la palabra— característico de un clasicismo con ligeros tintes neorrealistas.

Dejando de lado esta pequeña introducción a la temática de su cine, vamos a centrarnos en su estilo formal, descubriendo que su manera de filmar va en consonancia con la seriedad y —sorprendente— madurez con la que trata los asuntos en sus filmes.

Las secuencias que se van a examinar en esta entrada son de su segunda película, La otra cara del crimen. Gray nos narra la historia de Leo Handler (Mark Wahlberg), un delincuente de poca monta que, tras pasar un tiempo en la cárcel por no delatar a su grupo de amigos, vuelve a casa de su familia con la intención de enderezar su vida. Allí se reencontrará con su madre Val (Ellen Burstyn), su tía Kitty (Faye Dunaway), su viejo amigo Willie (Joaquin Phoenix) y la novia de éste, Erica (Charlize Theron), que, a la vez, es su prima. Aceptando un trabajo de su tiastro (capo de una de las principales mafias que controlan el negocio de los ferrocarriles en la ciudad) para reintegrarse en la sociedad, se convertirá en el blanco de un mundo de corrupción y asesinatos, de la policía y, lo que es peor, de su propia familia.

Es habitual que los directores que cuidan mucho su manera de dirigir y de cómo plasmar en imágenes lo que pretenden contar, utilicen los primeros minutos de sus películas, aquellos momentos en que el espectador, “en teoría”, está más atento, para definir en uno o pocos planos todo lo que va a venir a continuación. Lo hemos visto anteriormente con John Ford y su Centauros del Desierto, lo podemos ver, también, en Mulholland Drive de David Lynch, en La condena de Béla Tarr, en El quimérico inquilinode Roman Polanski, en Following de Christopher Nolan y un largo etcétera de cineastas que muestran cierta sensibilidad a la hora de dotar de significado a sus imágenes.

Esta es la primera secuencia de la película. Aparentemente no aporta mucha información narrativa al relato, pero, en realidad, simboliza la esencia del mismo. Si tuviésemos que definir la película en una sola frase, ésta podría ser: un hombre que intenta dejar atrás el mundo criminal del que viene y empezar una nueva vida. Los primeros minutos no pueden ser más explícitos: Leo sentado en el vagón de un tren que deja atrás el túnel oscuro del que viene. Gray, en lugar de enfocar la cámara hacia lo que está por venir, la enfoca hacia lo que Leo deja a su paso. Inevitablemente se puede asociar la oscuridad del túnel con el pasado delictivo del que Leo se intenta alejar y, también, el tren que avanza por las vías como el viaje vital que ello va a implicar. ¿Finalmente podrá conseguir empezar una nueva vida? Las últimas imágenes del filme y, en concreto, la última nos lo desvelarán.

Una vez ha vuelto a casa, Leo es acusado por su tiastro y su amigo Willie de cometer un asesinato que, en realidad, ha cometido Willie. Mientras el resto de su familia le da la espalda, su prima Erica es la única que lo apoya y le cree por la ligera atracción amorosa que aún perdura desde los 15 años. Cuando Willie se entera de que la relación entre ambos va más allá que el simple parentesco, ocurre esta secuencia:

Esta es una de las escenas más importantes del filme ya que, la ruptura total de la amistad y el respeto entre Leo y Willie, desencadenará en una sucesión de escenas sangrientas que culminarán con la muerte de la propia Erica.

Como vemos, Gray filma la secuencia con templanza y sobriedad. En lugar de adornar la escena con recursos artificiales o realizar movimientos de cámara bruscos y violentos, rueda la pelea con la cámara prácticamente inmóvil, tomando una cierta distancia con respecto a la acción y en sólo tres planos que aumentan gradualmente la visión que el espectador tiene del entorno donde están luchando poniendo, así, a los personajes en contexto. Lejos se encuentra esta secuencia de acción de las reglas preestablecidas en el cine acción norteamericano actual, donde esta misma escena se rodaría en mucho más de tres planos de menos de un segundo de duración cada uno.

Hacia el final del filme y después de que Leo se las ingenie para llegar a un acuerdo con los capos de las mafias que controlan el negocio de los ferrocarriles y su propio tiastro para librarse de la condena de asesinato y, de esta manera, sentenciar a Willie, éste, en un arranque de cólera, asesina a Erica tirándola por las escaleras de su propia casa. En la ceremonia de su funeral, con Willie ya en la cárcel, se junta toda la familia por primera vez después de todo el sufrimiento y la odisea por la que han tenido que pasar y ocurre lo siguiente:

En plena amargura por la tragedia familiar que acaban de padecer, el hermano de Erica (primo de Leo), en un ataque de rechazo hacia la situación en la que se encuentra, sale afuera y Leo acude a buscarlo y traerlo de vuelta a la casa.

Es bastante significativa la manera en la que Gray distribuye el plano una vez están dentro de la casa.

De una manera muy marcada, tenemos a la izquierda a Leo y su madre ocupando una silla, a la derecha a su tía y su primo ocupando otra silla y, en el centro, tenemos una silla vacía que, dado el contexto en el que nos encontramos (el funeral de Erica), se puede interpretar como el puesto vacío que la muerte de su prima ha dejado en la familia.

La tía, que ha estado dándole la espalda a Leo en los momentos más difíciles, extiende la mano para que llene ese hueco suponiendo, por fin, esa aceptación y reintegración en la familia que llevaba buscando desde el principio del filme.

Con la situación familiar ya resuelta, a Leo sólo le falta alejar, de una vez por todas, el mundo criminal de su vida y, declarando ante un tribunal, delata a todos los miembros de la organización criminal ferroviaria, entre los cuales se encuentra, también, su tiastro. Por lo tanto, no es de extrañar que, una vez su protagonista ha conseguido reintegrarse en la sociedad y en su familia, Gray acabe su obra con esta secuencia:

Una imagen que convierte la película en un relato circular, que da sentido a la imagen inicial y que responde a la pregunta antes planteada de si el personaje sería capaz de dejar atrás su oscuro pasado y empezar de nuevo. La cinta acaba igual que empieza, con Leo viajando en un tren, pero, en este caso, se trata de un tren que avanza hacia la luz de una nueva vida libre de crimen y delincuencia.

La otra cara del crimenes un claro ejemplo de las dotes de James Gray detrás de las cámaras, un director que, trabajo tras trabajo, demuestra tener una gran capacidad para contar historias y transmitir emociones con sus imágenes.

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Lo mejor:la delicadeza y pasión que desprende

Lo peor:Prácticamente nada, tal vez, algunas soluciones visuales

Puntuación:9/10

Todo el mundo conoce el cuento de la Blancanieves, el cine mudo acabó hace casi cien años y, por si fuera poco, el año pasado, en pleno siglo XXI, The artist, una película muda y en blanco y negro, fue reconocida por crítica y público a nivel internacional alzándose con el Oscar a la mejor película.

A pesar de ello, Pablo Berger quiso llevar adelante el proyecto que tenía pensado desde hace casi ocho años y, finalmente, ha creado su particular adaptación del popular cuento de los hermanos Grimm. En blanco y negro, muda y en la España taurina de los años veinte, esta versión de Blancanieves es una oda al cine mudo y al Cine en mayúsculas.

Obviamente, las comparaciones con The artist son inevitables, pero hay que dejar claro que el estar rodadas en blanco y negro y sin sonido son las únicas similitudes que poseen, en todo lo demás son películas totalmente distintas. Si The artisttendía más hacia el espectáculo y mantenía un cierto distanciamiento emocional con el espectador, Blancanieves es puro sentimiento y pasión. Además, el homenaje al cine mudo que rendía la francesa era argumentalmente explícito y lo hacía utilizando el lenguaje cinematográfico propio del cine sonoro (la mayor parte del filme estaba rodada como si fuera una película sonora), en cambio, la obra de Berger hace uso del lenguaje característico del cine silente y su homenaje está implícito en la historia.

Desde la sobreimpresión de Murnau hasta los Freaks(1932) de Tod Browning, pasando por los rostros en primerísimo plano de Carl Theodor Dreyer o Serguéi Eisenstein e, incluso, la corta y frenética ráfaga de imágenes del canadiense Guy Maddin, Blancanievescapta el alma del cine al que hace referencia y te traslada de lleno a los años veinte convirtiéndose, así, en un conmovedor y querido tributo a la cinematografía muda.

La impoluta y exquisita puesta en escena no impide advertir el enorme mimo con el que está hecha. La dirección de Berger desprende amor y cariño en cada fotograma. Maneja el humor, el afecto, la ternura, la tragedia y el drama con la misma delicadeza que irradia la interpretación de Macarena García como la inocente Blancanieves.

Torera en lugar de princesa y de nombre Carmen, esta Blancanieves está lejos —lejísimo— de la guerrera que vimos en la insulsa Blancanieves y la leyenda del cazador (2012) y de la risible veinteañera de Mirror mirror (2012). El ángel que tiene Macarena contrasta con la firmeza y energía que la estupenda Maribel Verdú imprime a su personaje de madrastra. La actriz madrileña interpreta por primera vez a una villana y lo hace con la contundencia, frialdad y vigor que el papel requiere. Nadie le hace sombra.

Una de las cosas más originales y acertadas que tiene el filme es la imaginativa adaptación de la famosa fábula a la iconografía taurina y al folclore español de la época. A pesar de realizar ciertos cambios como el nombre —que no el apodo— y el estatus de la protagonista, la búsqueda de la fama en lugar de la belleza de la madrastra o la profesión de los enanos, Berger es fiel al espíritu y la esencia del cuento a la vez que retrata con atino las costumbres de la época.

Señoras y señores, vayan al cine a ver la Blancanieves de Pablo Berger, una maravilla. Un baile para los sentidos. Prepárense para reír, llorar, vibrar, enternecerse, apasionarse y dejarse llevar por la magia de una historia mil veces oída, pero jamás contada de esta manera.

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Ficha Técnica

Título: Blancanieves

Título original:Blancanieves

Dirección:Pablo Berger

Guión:Pablo Berger

País: España

Año: 2012

Duración: 98 min.

Reparto: Maribel Verdú, Ángela Molina, Daniel Giménez Cacho, Inma Cuesta, Macarena García, Josep Maria Pou, Pere Ponce, Ramón Barea, Sofía Oria, Pere Vall, Emilio Gavira, Ignacio Mateos, Carmen Belloch

Distribuidora:Wanda Visión S.A.

Productora:Arcadia Motion Pictures, Motion Investment Group, Mama Films, Noodles Production, uFilm

Dirección artística:Alain Bainée

Efectos visuales: Bert Deruyck, Dave Goodbourn, Ferrán Piquer, Francesco Rossi, Francisco Palomares Pozas, Francisco Porras, James Rose, José Miguel Zapata, Moisés Cambra, Óscar Perea Marcos, Pedro Lara, Sandra Picher, Sergio Fernandez

Fotografía: Kiko de la Rica

Maquillaje:Fermín Galán, Jesús Martos, Lola Martínez, Silvie Imbert

Montaje: Fernando Franco

Música: Alfonso Vilallonga

Producción asociada:Sandra Tàpia

Producción ejecutiva:Adrian Politowski, Gilles Waterkeyn, Jeremy Burdek, Nadia Khamlichi

Producción en línea (Bélgica):Stéphane Lhoest

Sonido:Gareth Llewellyn

Tráiler

Lo mejor: Lo endiabladamente entretenida que es

Lo peor:La falta de garra y fuerza del Stone de antaño

Puntuación:7/10

Oliver Stone nunca ha escondido sus ideas políticas. Excombatiente del Vietnam y amante de la polémica, gran parte de su filmografía ha tratado varios de los temas más controvertidos de la historia norteamericana (la investigación del asesinato de John F. Kennedy, la guerra de Vietnam, el mandato de Richard Nixon…) desde un punto de vista muy partidista, adulterado y siempre cargado de un mensaje que invita a la reflexión. Películas como Nacido el 4 de julio (1989), JFK: caso abierto(1991), El cielo y la tierra (1993) o Nixon (1995) convierten la trayectoria del director en una de las más idealistas de la generación de los ochenta. Sin embargo, para una parte de la cinefilia —entre la que se encuentra un servidor— sus mejores filmes han sido aquellos como Platoon(1986), Giro al infierno (1997) o Un domingo cualquiera (1999), en los que el director daba rienda suelta a sus extravagantes dotes artísticas y, de una manera totalmente desenfadada, canjeaba el mensaje político y la reflexión por la amoralidad, la locura y la ira en el relato.

Dicho esto, parecía que Salvajes iba a devolvernos al Oliver Stone más visceral después del letargo en el que cayó con World Trade Center (2006). En Laguna Beach, Ben (Aaron Taylor‐Johnson) y Chon (Taylor Kitsch), dos amigos que comparten novia (Blake Lively), deciden librar, con la ayuda de un agente corrupto de la DEA llamado Dennis (John Travlota), una guerra contra el cártel mexicano de Baja California controlado por la reina Elena (Salma Hayek) y su matón Lado (Benicio del Toro) cuando se les exige que compartan su famoso negocio local de tráfico de marihuana.

Drogas, traficantes, matones, cártel mexicano, policías corruptos y Oliver Stone. Todos los ingredientes necesarios para que surja una mezcla explosiva como en su día fue Asesinos natos (1994), pero parece ser que Stone se ha contagiado de esa calma natural que impera en el día a día de California y le ha salido una combinación entre Inmersión letal (2005), Infiltrados(2006) y Traffic (2000) agradable de ver, tremendamente entretenida pero sin la garra del mejor Stone.

A pesar de ello, el filme tiene varios elementos idiosincráticos de su cine. Sus protagonistas, desde el Chris Taylor de Platoon hasta el Bobby de Giro al infierno, pasando por la vietnamita Le Ly de Cielo y tierra, el Ron Kovic de Nacido el 4 de julio o el Bud Fox de Wall street, son personajes de sólidas convicciones que, por la situación y el entorno hostil en el que se ven envueltos o se introducen, se ven obligados a renunciar a ellas y actuar en contra de sus principios.

En Salvajes, Ben y Chon son dos jóvenes que poseen el negocio de tráfico de marihuana más famoso del sur de California pero, si han llegado a ser lo que son, es por la excelente calidad de su maría (fruto de la total dedicación de Ben) y no por su violenta táctica de intimidación. Una vez el cártel mexicano entra en sus vidas para coaccionarlos, se verán arrojados a un mar de violencia donde tendrán que robar, chantajear, matar y secuestrar para salir de él. Con ello vemos como unos personajes que llevan una vida pacífica sin molestar a nadie son forzados a abdicar de sus principios y desenterrar al salvaje que todos llevamos dentro para sobrevivir.

El trío protagonista están bien acompañados de unos secundarios de lujo. De hecho, las mejores interpretaciones vienen dadas por ellos. Stone siempre ha sabido rodearse de grandes actores y actrices para acompañar a sus protagonistas y, Salvajes, no iba a ser una excepción. Salma Hayek, John Travolta y Benicio del Toro nos brindan los mejores momentos. El personaje de Travolta está cargado de un humor que roza la parodia pero siempre en su justa medida, sin excesos. Hayek, en su papel como La Reina del cártel, aporta la garra necesaria para dirigir a toda esa ristra de matones, a la vez que empapa a su personaje de la sensibilidad inherente a cualquier madre. Por último, Benicio del Toro es el que destaca por encima de todos. Su mirada transmite una mezcla de locura, perversión y socarronería que está a mitad entre el sadismo del señor Rubio (Michael Madsen) de ReservoirDogs (1992) y la agresividad sosegada de Tony “Dientes de bala” (Vinnie Jones) de Snatch. Cerdos y diamantes (2000).

El guión, escrito por el propio director, Shane Salerno y Don Winslow, se basa en la novela homónima de éste último que fue incluida en la lista de “Los 10 mejores libros” del New York Times en el 2010. Lleno de giros inesperados al estilo Infiltradosde Martin Scorsese, la historia nos adentra en el mundo del narcotráfico en la región fronteriza entre California y México. Sin ser excesivamente tramposo, contiene las dosis justas de sexo, insuficientes escenas de violencia para lo que el título promete, paradisíacas localizaciones naturales y cuerpos esculturales, todo ello aderezado con una fotografía seductora llena de colores vivos y atrayentes.

Siempre nos quedará la duda de cómo hubiera sido Salvajes si Oliver Stone la hubiera rodado veinte años antes. Tal vez se habría convertido en su mejor película pero, sea como fuere, el resultado no ha sido del todo malo. Entretenimiento a raudales, buenas interpretaciones, ingeniosos e irónicos golpes de humor, poca acción pero contundente y una correcta dirección para un correcto filme de un director doctorado en la incorrección.

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Ficha técnica

Título: Salvajes

Título original:Savages

Dirección: Oliver Stone

Guión:Oliver Stone, Shane Salerno, Don Winslow (Novela: Salvajes de Don Winslow)

País: Estados Unidos

Año:2012

Duración:131 min.

Reparto: Taylor Kitsch, Blake Lively, Trevor Donovan, John Travolta, Aaron Johnson, Salma Hayek, Emile Hirsch, Benicio del Toro, Joel Moore, Gillian Zinser, Mía Maestro, Shea Whigham, Gonzalo Menendez, Demián Bichir, Alexander Wraith, Gary Stretch, Jonathan Patrick Moore, Jake McLaughlin, Sandra Echeverría, Elena Varela, Leonard Roberts, Jessica Lee, Joaquín Cosio

Web:www.universalstudiosentertainment.com/savages/

Distribuidora:Universal Pictures

Productora: Relativity Media, Ixtlan, Onda Entertainment

Presupuesto:45.000.000,00 $

Dirección artística: Lisa Vasconcellos

Diseño de producción: Tomas Voth

Efectos especiales:Al Marangoni, Mark R. Byers, Nick Marra, Sam Dean

Fotografía: Daniel Mindel

Montaje: Alex Marquez, Joe Hutshing, Stuart Levy

Música: Adam Peters

Producción asociada:Evan Bates

Producción ejecutiva: Fernando Sulichin, Shane Salerno, Todd Arnow

Sonido: Branden Spencer, Dror Mohar, Gary A. Hecker, Gary Marullo, Hector C. Gika, James Hyde, Jason Patrick Collins, Kris Fenske, Mark DeSimone, Michael Fowler, Michael Hertlein, Michael Keller, Michael Miller, Michael Scott, Mike Prestwood Smith, Nerses Gezalyan, Ric Schnupp, Tim West, Tod A. Maitland

Vestuario: Cindy Evans Dana Kay Hart, Daniel G. North, Jason M. Moore, Laurel Frushour, Lisa Parmet, Marci Rector, Marta Villalobos, Michele Flynn, Sarah Bowman

Tráiler

BSO

Lo mejor:El inmenso talento de Rian Johnson tras la cámara

Lo peor:El maquillaje y la prótesis nasal de Joseph Gordon-Levitt

Puntuación:9/10

La ciencia ficción ha dado grandes películas al cine. La guerra de las galaxias (1977), Alien, el octavo pasajero (1979), Blade runner(1982), Terminator (1984) o Matrix (1999) son ejemplos de grandes clásicos del cine en general y del género en particular. Looper, la última joya del talentoso Rian Johnson, lo tiene todo para entrar en esa lista de filmes icónicos. Acción frenética, una trama desarrollada inteligentemente, una extraordinaria factura técnica, solventes interpretaciones de actores reconocidos y la dirección de uno de los directores más atrayentes y dotados de la última década.

Si en la original Brick (2005) exploró el noir en el seno de un instituto californiano y en la divertida The brothers bloom (2008) se sumergió en la comedia irónica con ciertas reminiscencias al cine de Wes Anderson, en Looper, aborda la ciencia ficción desde el subgénero de los viajes en el tiempo.

En el 2042, los loopers son asesinos a sueldo encargados de liquidar a víctimas que son enviadas desde el futuro. Joe (Joseph Gordon-Levitt), uno de los loopers más jóvenes, recibirá un día una víctima que pondrá patas arriba su vida: él mismo. Rian Johnson acierta en no dedicar mucho tiempo en explicar el complejo entramado de paradojas que provoca que los personajes viajen en el tiempo. En ese sentido se acerca más a la antes mencionada Terminator o Código fuente (2011) que a filmes claves de este subgénero como la ingeniosa Los cronocrímenes (2007), la perturbadora 12 monos (1995) o la inquietante Donnie Darko (2001), aunque, inevitablemente, bebe un poco de todas ellas.

De hecho, la clarividencia de Johnson es tal que es capaz de dar explicación a las contradicciones temporales con un prodigioso flashback de cinco minutos y una simple frase sobre cómo se generan los recuerdos del Joe “futuro”. Una vez está todo aclarado, el viaje en el tiempo y sus consecuencias se convierten en el pretexto de la acción. La lucha del protagonista contra su propio Yo es el eje sobre el cual girará la historia. Joe es, a la vez, el protagonista y el antagonista del relato. Dicho así puede sonar muy enrevesado, pero visto en imágenes no lo es tanto. Johnson establece un espacio temporal de treinta años entre el Joe “presente” y el Joe “futuro”, de tal manera que el mismo personaje es interpretado por actores distintos (Joseph Gordon-Levitt y Bruce Willis). Además, y sin desvelar nada de la trama, los dota de intereses diametralmente opuestos convirtiéndolos, para el espectador, en dos personajes completamente distintos. Por lo tanto, Johnson, consigue que un tema que da lugar a tantas confusiones como es el de los viajes en el tiempo, sea fácil de digerir para el público.

No es de extrañar que la película tenga una arrebatadora factura técnica. El cineasta norteamericano se caracteriza por crear parajes peculiares impregnados de un fuerte magnetismo visual y, Looper, no es una excepción. Si en Brick consiguió introducir la iconografía del cine negro de los cincuenta a un instituto californiano del siglo XXI, aquí hace lo mismo con el western. Con un diseño de producción que nos presenta una sociedad futurística de aspecto reconocible, Johnson consigue crear una distopía llena de bandas de pistoleros —los “Gat Men” (literalmente, los hombres del revólver)—, donde la moneda de cambio es el oro y la plata, las armas son revólveres y escopetas, las bailarinas del club parecen sacadas de un cabaret, la llegada de un pistolero a la granja de los campos de trigo nos evoca a cualquier western clásico y donde un conductor de autobuses te puede matar en plena luz del día sin que nadie se inmute. Una sociedad semejante a la de Blade runner en esencia, que no en forma, en la que los protagonistas verán como su moral es puesta a prueba y deberán buscar su camino hacia la redención.

Lo que sí asombra es el vigor y la espectacularidad de las escenas de acción, llenas de efectos especiales que, a diferencia de otros filmes actuales, no empañan la imagen, sino al revés, aumentan la vistosidad de la misma y es que, el estilo visual de Johnson pasa por realizar movimientos sutiles de cámara en lugar de hacer virguerías con la misma.

Precisamente, la gran virtud del filme es que ese poderío en las imágenes va acompañado de una gran estructura de guión. Loopercontiene las dosis exactas de acción, humor y emotividad sin dejar, en ningún momento, de apelar a la inteligencia del espectador. Que su capacidad narrativa sea tal que facilite al público el acercamiento a un tema tan farragoso como los viajes en el tiempo, no significa que el filme se quede sólo en la superficie de su planteamiento y buena prueba de ello son las decisiones que toman los personajes en el inesperado e impactante final. Cada protagonista tiene una motivación moral para actuar de la manera en que lo hace, puedes estar o no de acuerdo, pero sus actos tienen una justificación que va acorde con el devenir de la relato.

A todo ello hay que sumarle la habilidad que Johnson posee para jugar con la audiencia. En sus dos largometrajes anteriores ya demostró su destreza para mantener conectado al público con lo que estaba ocurriendo en la pantalla y sorprenderlo en el momento más imprevisto. En Looper lo consigue y con creces. En el momento que la historia parece que empieza a entrar en punto muerto, Johnson introduce un elemento insospechado que da un giro argumental al filme ofreciéndonos otra vía argumental completamente nueva y fascinante.

Un cine de autor camuflado de cine comercial y hecho por un director con una larga cultura cinematográfica a sus espaldas (a todas las influencias mencionadas hay que añadirle el guiño a la taza de café de Dos o tres cosas que yo sé de ella de Godard) que ha conseguido que su estilo personal trascienda más allá de los famosos rostros de sus actores principales, los excelentes efectos especiales y las convenciones del género regalándonos el que va a ser, sin lugar a dudas, el sci-fidel año.

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Entrevista personal con Rian Johnson sobre la película

Ficha técnica

Título: Looper

Título original:Looper

Dirección:Rian Johnson

Guión: Rian Johnson

Fotografía:Steve Yedlin

Música:Nathan Johnson

País: Estados Unidos, China

Año: 2012

Duración: 118 min.

Reparto:Joseph Gordon-Levitt, Bruce Willis, Emily Blunt, Paul Dano, Noah Segan, Piper Perabo, Jeff Daniels, Pierce Gagnon, Qing Xu, Tracie Thoms, Frank Brennan, Garret Dillahunt, Nick Gomez, Marcus Hester, Jon Eyez

Web:www.loopermovie.com

Distribuidora:Aurum Producciones

Productora:Sony / TriStar Pictures / MG Entertainment / Endgame Entertainment / FilmDistrict

Presupuesto: 30.000.000,00 $

Animación: A.J. Gillespie

Dirección artística: James A. Gelarden

Diseño de producción: Ed Verreaux

Efectos especiales: Brad Manis, Chad Engel, Darin Bouyssou, David Nash

Efectos visuales: Adam Folse, Aditya Malla, Alex Schworer, Allan McKay, Amir Khand, Amitav Nakarmi, Andreas Frickinger, Andreas Wieland, Andrew Francis, Andrey Drogobetski, Anish Ratna Tuladhar, Anita Edwards, Annemieke Loomis Hutchins, Anup Shakya, Atsushi Imamura, Benjamin Ross, Bikash Ghaju, Bjoern Wortmann, Brad Moylan, Brent Droog, Brian Flora, Bruno Parenti, Chase Bickel, Chris Radcliffe, Chris Scott, Chris Stoski, Chris Wells, Christa Albrecht, Christian Burggraf, Christian Kahler, Christoph Gaudl, Cody Brunty, Colie Wertz, Dane Allan Smith, Daniel Briney, David Harter, David Michaels, David Ridlen, DeAndra Stone, Derek Winslow, Dipesh K.P., Drew Huntley, Eric A. Kohler, Felix Laser, Feltus Wirtz, Finlay Hogg, Gyanon Chitrakar, Huck Wirtz, Ismat Zaidi, Ivo Klaus, Jacob Kebodeaux, Jale Parsons, Jan Glöckner, Jasmin Hasel, Jason Funk, Jeff Atherton, Jenn Emberly, Jennifer Mizener, Jeremy F. Butler, Jesse Russell, Jim Gibbs, Jin Yong Kim, Jochen Conradt, Joel Sevilla, Jordan Alphonso, Joseph Vincent Pike, Josh Elmore, Josh Sutherland, Julia Mrugala, Justin Oliphant, Karen E. Goulekas, Keith Jackson, Krystal Sae Eua, Kundan Basnet, Landis R. Fields IV, Laura Livingstone, Manasi Ashish, Manesh Nepali, Marijn Eken, Mark Wright, Markus Hagemeier, Matthew Lloyd, Matthew Trivan, Mauricio Baiocchi, Meier Korbinian, Michael Janov, Michael Scheffler, Michael Zavala, Michel Mielke, Miguel A. Guerrero, Mike Terpstra, Mortimer Warlimont, Nicholas Avallone, Nick Hsieh, Niko Conte, Patton Tunstall, Paul Hill, Paul Martinez, Paul Schlie, Prabhakar Maharjan, Prasanna Siddharthan, Rameshwor Shrestha, Ray McIntyre Jr., Richard Thompson III, Rif Dagher, Robert Freitag, Roland Langschwert, Ryan Tudhope, Sandro Kath, Scott Lissard, Sean Pfeiffer, Sebastian Hirsch, Sebastian Küchmeister, Sewak Wagle, Sharina Radia, Sharlene Lin, Shinichi Rembutsu, Simranjit Mahil, Subin Shrestha, Sudarshan Dhakal, Sujeen Nepali, Sun Lee, Sushil Rai, Tammy Sutton, Thomas Kaufmann, Timo Hyhs, Timo Rolle, Travis Baumann, Tsering Tashi, Umesh Shakya, Umesh Shrestha, Valy Lungoccia, Victor DiMichina, Young Joon Mok, Zack Broussard, Zack Judson

Maquillaje: Aimee Stuit, Andrea Young, Brent Baker, Cass McClure, Dee Leveque, Emily Tatum, Jack Lazzaro, Jamie Kelman, Justin Stafford, Kazuhiro Tsuji, Kent Richard, Kimberly Amacker, Melizah Schmidt, Mike Elizalde, Nikki I Brown, Roland Blancaflor, Stacy Kelly, Stacy Kelly, Tony Ward, Wes Wofford
Montaje: Bob Ducsay

Producción ejecutiva:Dan Mintz, Douglas Hansen, Joseph Gordon-Levitt, Julie Goldstein, Peter Schlessel

Sonido: Brad Lokey, David Jobe, Eric Ledet, Jeremy Peirson, John Hays, John Joseph Thomas, Mark DeSimone, Mark Purcell, Pawel Wdowczak, Ric Schnupp, Thomas Jones, Tim LeBlanc, Xun Huang

Vestuario:Alice Landry Boyer, Alison Parker, Anne Cicero, Dana Kay Hart, Dusty Wilson, Fran Murphy, Leoisick Castro, Lesley D. Wickham, Linda Gardar, Marylou Lim, Pam Buchanan Sharen Davis Wendy Talley, Yvonne Bastidos

Premios

2012: Festival de Toronto: Nominada al Premio del Público (Mejor película)

Tráiler

BSO

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Rian Johnson, director de Brick y The brothers bloom, clausuró la 45 edición del Festival Internacional de Cine Fantástico de Cataluña celebrado, como cada año, en Sitges. Lo hizo presentando su último largometrage, la excelente Looper.

The Big Kahuna tuvo la oportunidad de realizarle una entrevista en Sitges. Aquí la tenéis:

1.- ¿Cómo fue el proceso de creación de Looper?

Cuando empecé a escribir el guión me surgió sólo una idea básica para un corto. No fue hasta después de The brothers bloom que empecé a pensar “¿qué más cosas podría añadir a esa idea básica?”. A partir de ese momento los elementos de la granja, los personajes de Sara y Cid y otros componentes que estructuran la película surgieron en mi mente. Además, el dinero que tuve para hacer Brick no fue el mismo que he tenido para Looper, así que ahora ha sido el momento para hacerla.

2.- Has demostrado ser un director con un estilo visual muy particular. ¿Tuviste algún problema para mantener tu manera de hacer cine con una película de mayor presupuesto que tus anteriores como es Looper?

Suena raro decir “no” a esta pregunta pero realmente ha sido igual que en mis anteriores películas. Tuve a mi alcance efectos especiales y pude hacer lo que quería hacer para contar la historia. En temas de movimientos de cámara y rodaje de escenas, para mí es simplemente contar una historia. No intento hacer grandes movimientos. Creo que es más interesante hacerlos sutiles, es decir, contar lo máximo con el mínimo número de movimientos.

3.- ¿Cuáles fueron las reglas para crear tanto el mundo futurístico del 2044 como el de 2074?

Con el de 2044 quise crear una distopía futurística que, a la vez, fuera cercana y terrenal. Aunque haya elementos futurísticos como, por ejemplo, las “motos voladoras”, quise que fueran como nosotros las conocemos en lugar de que fueran más grandes o fantásticas, y lo mismo con otros componentes. En cuanto al futuro del 2074 en Shanghái, quise que fuera visto a través de los ojos de Joe como esa enorme ciudad futurística llena de luces similar a Blade Runner. De este modo tenemos el futuro cercano más depresivo y el futuro lejano más brillante y emocionante.

4.- Una de las escenas más importantes del filme es la conversación en el bar entre el “joven” Joe y el “viejo” Joe. ¿Cómo preparasteis esa secuencia?

Joseph, Bruce y yo dedicamos un largo fin de semana para ensayar esa escena antes de rodarla. Estudiamos la escena trozo por trozo. Repetimos una y otra vez cada línea de guión y acabé haciendo algunos cambios en la secuencia. Para mí era muy importante que nos concentráramos mucho en ella porque es la pieza clave que está justo en la mitad de la película.

5.- ¿Podrías hablar un poco sobre el contraste entre lo urbano y lo rural que se aprecia en la película?

Sí que es verdad que existe un contraste entre lo urbano y lo rural en el filme pero no he intentado establecer una lucha entre ambos ya que no tengo ningún tipo de preferencia sobre alguno de ellos, me gustan los dos (risas). Lo que sí quería transmitir con estos dos mundos es la energía femenina representada por lo rural y la energía masculina representada por la ciudad. Lo que realmente significa para mí es el contraste entre la manera que tiene Sara de solucionar las cosas (desde el amor, la comprensión y el cariño de una madre) y la manera que tiene el “viejo” Joe de solucionar las cosas (encontrar la persona que busca y matarla).

6.- Viendo The brothers bloom, uno le viene a la cabeza el estilo visual de Wes Anderson. ¿En qué medida te ha influenciado su cine?

Me encanta el cine de Wes Anderson y puedo entender que la gente vea esa conexión visual en The brothers bloom, pero no lo tuve en mente en el proceso creativo de la película. El diseño de Thebrothers bloom es de la manera que es porque trata sobre un hombre que se siente atrapado dentro de los meticulosos libros de notas de su hermano. Por ello, el mundo del filme está construido visualmente de una manera muy meticulosa que puede evocar el estilo de Wes Anderson pero creo que él es un increíble director que hace algo bastante diferente a The brothers bloom. No crea mundos sofocantes sino que trabaja en crear hermosos y bellos parajes emocionales de liberación.

Con Rian Johnson en el Festival de Sitges 2012

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Crítica de Looper

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Lo mejor: Javier Bardem

Lo peor:Algunas soluciones demasiado convencionales, sobre todo en el final

Puntuación:8/10

Llegó el día D. Por fin se estrenó Skyfall en el año en que James Bond cumple su cincuenta aniversario en el cine. Antes de ser presentada al público, un halo de secretismo rodeaba la que se ha convertido en la vigesimotercera película del espía británico más famoso del mundo del celuloide. Un secretismo que dio paso a la exaltación de las primeras críticas que aseguraban haber presenciado la mejor entrega de toda la franquicia e, incluso, al mejor villano bondiano hasta el momento. Argumentos no le faltaban: las ganas de hacer algo especial por los cincuenta años de vida cinematográfica, un excelente elenco de actores entre los que se encuentran los habituales Judi Dench y Daniel Craig —ya considerados como unos de los mejores Ms y Bonds de la saga— y los consagrados Ralph Fiennes y Albert Finney y, lo más sorprendente, la elección de un director con un tremendo talento para el drama pero con una película de acción en el debe de su balance fílmico, Sam Mendes.

Dicho quede por delante que el trabajo de Mendes se ha centrado en aclimatar a James Bond al héroe actual que ha delimitado, sobre todo, Christopher Nolan con su Batman, sin perder los signos distintivos que tanto caracterizan a 007 y que han hecho de él lo que es, recuperando, también, personajes y escenarios idiosincrásicos de la franquicia que habían quedado apartados en los últimos filmes del agente con licencia para matar.

Antes de entrar en detalle de por qué este Skyfall se asemeja a la última trilogía de Batman, quiero puntualizar que esta afirmación no es una crítica negativa, sino todo lo contrario. Bajo mi punto de vista creo que es una muestra por parte de la familia Broccoli —productores y “padres” cinematográficos de 007— de saber reescribir y actualizar al agente secreto para adaptarlo a los tiempos que corren.

No hace falta ser muy avispado para darse cuenta de que el Bond cinematográfico ha ido adaptándose a la época en la que se encontraba y a las corrientes imperantes en la industria del momento. No me refiero a la evidente diferencia entre los primeros filmes de la década de los sesenta y los actuales, ya que más de ocho lustros las separan, sino a la diferencia entre las entregas de los últimos veinticinco años.

El ejemplo más claro lo tenemos en Casino Royale (2006). Con la primera secuencia ya pudimos advertir la influencia que Jason Bourne había tenido en este “nuevo” Bond. Más rápido, ágil, contundente, físico, rotundo, decisivo, en definitiva, más cercano al mundo terrenal que aquél Sean Connery seductor y bromista o aquél pulcro y elegante Pierce Brosnan. Pero no sólo en el personaje, sino que también lo notamos en la dirección de Martin Campbell con esas frenéticas persecuciones y planos rodados cámara en mano.

Con la siguiente, Quantum of Solace (2008) cambiaron al director e intentaron estrujar la fórmula pero el resultado no fue el mismo. Por ello, Skyfall inicia con la “muerte” de aquél Bond en las mismas aguas donde ¿murió? Jason Bourne —el plano de Bond cayendo al fondo del río después de recibir un disparo es prácticamente idéntico al de Bourne en El ultimátum de Bourne (2007)— para luego RENACER al más puro estilo "Nolanesco" y es que los ecos del Batman de Nolan resuenan a lo largo del metraje.

La humanización de un héroe huérfano con un pasado trágico que se encuentra en horas bajas por su edad, lo dan por muerto para luego poder resurgir (¡incluso en un momento asegura que su hobbie es resucitar!) con más fuerza que nunca para solventar el caos que un villano demente ha instaurado, todo ello aderezado con un tono trágico y una banda sonora que en ciertos momentos nos evoca al ritmo vibrante de la partitura de Hans Zimmer.

Influencia confesa de Mendes, Skyfall rezuma la trilogía de Nolan por todos sus poros, lo que demuestra que el director de Memento (2000) ha creado una nueva tendencia en el héroe mainstream. Sólo de esta manera se puede explicar que personajes como, Spider-Man, el nuevo Superman de Zack Snyder —¡que estará producido por el propio Nolan!— y, ahora, James Bond, que en el cine (que no en las novelas o cómics) nos tenían habituados a un colorido pulp, hayan perdido dicho colorido en favor de la oscuridad del nuevo hombre murciélago.

Centrándonos en los diferentes temas que sobrevuelan en la película, resulta muy interesante la manera en que Mendes reflexiona sobre el miedo. Un discurso que es repetido varias veces por M y que también guarda mucha relación —por no decir que es uno de los principales puntos de conexión— con El caballero oscuro (2008). La amenaza que sufre el MI6 está personificada en un individuo, el villano Silva, que, como el Joker de Nolan, instauran el caos para satisfacer un interés personal. Ambos personajes, con sus caras desfiguradas, son la viva representación del miedo que, como M puntualiza, ya no proviene de una organización criminal, sino que proviene de seres individuales.

Otro punto a destacar es la habilidad de Mendes para saber conjugar una de las fortalezas de su cine, las relaciones familiares, con la personalidad de un filme de James Bond. El director de American Beauty (1999) establece un vínculo prácticamente maternal entre M y sus agentes. De hecho, en varios momentos se dirigen a ella como Mum(mamá). Una madre severa que no duda ni un segundo en tomar una decisión de máximo peligro para Bond pero que, a la vez, confía tanto en él como para aceptarlo de nuevo en el MI6 sin haber superado las pruebas de acceso. Esa relación amor-odio entre madre e hijo que se verá puesta a prueba en el momento en que el vástago descarriado que interpreta Bardem, amenace con saciar su sed de venganza. Una amenaza que obligará a Bond a regresar a sus orígenes, a su Skyfall/Rosebud particular, allí donde nació, creció y vio morir a sus padres, para convertirse en la versión espía y actualizada de aquél Dustin Hoffman de Perros de paja (1971).

Dejando a un lado el análisis temático de la cinta, Skyfall es, por encima de todo y como toda buena entrega de Bond, un deleitoso entretenimiento cinematográfico. Sam Mendes consigue que el ritmo narrativo no sufra grandes altibajos manteniendo la tensión hasta el plano final. En la primera parte lo logra mediante la habitual secuencia de acción inicial a la altura de la de CasinoRoyale, los consecuentes y creativos títulos de crédito al son de Adele y un intrigante planteamiento de la historia que no nos muestra al villano hasta pasada una hora de metraje. La segunda parte está totalmente eclipsada (en el buen sentido de la expresión) por Javier Bardem que se ha colado ya en la lista de los villanos más icónicos de la serie.

Como si del Dr. No se tratase, Raoul Silva vive en una especie de “Crab Key” con ciertas reminiscencias a la ciudad en ruinas del limbo de Origen(2010) desde donde ejerce todos sus movimientos maquiavélicos y aparece en escena por primera vez. El personaje, un Max Zorin con la enajenación del Joker de Heath Ledger y la perversidad de Hannibal Lecter, nos brinda una sensacional secuencia que quedará grabada en la retina de los bondmaníacos por ser la primera vez en toda la franquicia ¡que se pone en duda la sexualidad de Bond! Bardem irrumpe en la escena cargado de una picardía y una gestualidad amanerada, a la vez que diabólica, que fluyen con la misma naturalidad que lo hacen sus punzantes líneas de diálogo llenas de doble sentido. Raoul Silva es un ejemplo más de la virtud camaleónica de este gran actor capaz de mutar en cada papel que interpreta e, incluso, aportar matices totalmente opuestos a un mismo tipo de personaje como hizo con el frío e impasible Anton Chigurh de No es país para viejos (2007) y como ha hecho con el histriónico y desatado psicópata brasileño.

Todos estos elementos hacen de Skyfall uno de los mejores títulos de la serie, a la altura de Goldfinger (1964), El hombre de la pistola de oro (1974), Goldeneye (1995) o Casino Royale (2006). Contiene acción trepidante, pequeñas dosis de humor, sub-trama dramática y una actualización de la saga a los tiempos que corren. Pero que no os engañen las apariencias. Bajo esa capa de modernización de algunos aspectos como el ya mencionado tono oscuro y trágico del relato, el cyber-villano gay, el joven Q nerd o el nuevo color de piel de la recuperada Moneypenny, existe una exaltación de lo añejo, de lo tradicional, una vuelta a las raíces, al despacho de los inicios, en definitiva, una reinvención en toda regla que mira al futuro, sin olvidar el pasado.

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Ficha Técnica

Título: Skyfall

Título original: Skyfall

Dirección:Sam Mendes

Guión: John Logan, Neal Purvis Patrick Marber Robert Wade (Personaje: Ian Fleming)

Fotografía:Roger Deakins

Música:Thomas Newman

País: El Reino Unido, Estados Unidos

Año: 2012

Duración:143 min.

Reparto: Ralph Fiennes, Daniel Craig, Javier Bardem, Judi Dench, Helen McCrory, Bérénice Marlohe, Albert Finney, Naomie Harris, Ben Whishaw, Ola Rapace, Tonia Sotiropoulou, Santi Scinelli, Nichola Fynn, Rory Kinnear, Michael G. Wilson, Tom Wu, Simon DeSilva

Web:www.007.com/skyfall

Distribuidora:Sony Pictures

Productora:Metro-Goldwyn-Mayer (MGM), United Artists, Columbia Pictures, Eon Productions, Danjaq

Presupuesto: 200.000.000,00 $

Departamento musical: Monty Norman, Tony Lewis

Dirección artística: Chris Lowe, Jason Knox-Johnston, Marc Homes, Paul Inglis

Diseño de producción:Dennis Gassner

Efectos especiales: Ali Fitz-Desorgher, Andy Simm, Bolkan Ufuk, Chris Corbould, Dan Homewood, Dave Eltham, Gabriela Pruszkowska, Gareth Wingrove, James McKeown, Jason Leinster, Michael Badley, Nick Finlayson

Montaje: Stuart Baird

Producción ejecutiva: Andrew Noakes Anthony Waye, Callum McDougall David Pope

Tráiler

Banda sonora

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Lo mejor:El método narrativo y, sobre todo, el montaje de la película, excelente y clave para unir ambos mundos, el de la realidad y el de la ficción

Lo peor:Alguna situación un tanto abrupta y precipitada al final

Puntuación:8/10

Scheherezade era una reina persa protagonista de la historia principal de la célebre recopilación de cuentos árabes Las mil y una noches. La fábula de Scheherezadenos cuenta la leyenda del sultán Schariar, un rey que al descubrir que su esposa le engañaba con un esclavo negro, decidió desposar a una virgen cada día para luego decapitarla a la mañana siguiente. Scheherezade, la hija del visir (ayudante del rey), se ofreció voluntariamente como esposa del sultán para, una vez llegada la noche, contarle un cuento. El relato mantuvo al rey entusiasmado toda la noche y, al llegar al alba, la muchacha se detuvo justo antes del final prometiéndole explicárselo a la noche siguiente. El sultán la perdonó esperando saber el final de aquella historia que le había tenido entusiasmado toda la noche. Al día siguiente, volvió a hacer lo mismo y, después de repetirse esa situación durante mil noches, el sultán se dio cuenta de que no sólo había sido entretenido sino que también había sido enseñado y educado sabiamente en moralidad y amabilidad por Scheherezade, quien, finalmente, se convirtió en su reina.

En la casa, la última película del cineasta francés François Ozon (que adapta la obra teatral de Juan Mayorga, “El chico de la última fila”), Germain es un profesor de lengua francesa que, tras comprobar el pésimo nivel de sus estudiantes y su desinterés por el aprendizaje, ha perdido la motivación por enseñar. Un día en el comedor de su casa, repartiendo suspensos cual sultán Schariar decapitando esposas, se cuela un escrito entre los trabajos de sus alumnos que le llama la atención por su calidad y agudeza. El escrito es de un estudiante llamado Claude que cuenta con sarcasmo y perspicacia el día a día de la familia de otro alumno de su clase llamado Rapha. El escrito se detiene justo cuando se pone más interesante, dejando a Germain con la intriga de cómo continuará la historia, por ello, decide contactar personalmente con Claude para ayudarle y aconsejarle y así poder desarrollar el enorme talento creativo que el chico atesora. En cada reunión extraescolar, Claude le entrega la continuación del anterior escrito deteniéndose justo en la parte más interesante del mismo, manteniendo, a Germain, cada vez más intrigado por saber el devenir de la historia, hasta llegar al punto en el que ambos se verán envueltos en una espiral de dependencia recíproca que desembocará en un mar de sucesos impredecibles.

He querido empezar con este símil literario porque ¿es casualidad que, de entre las numerosas referencias culturales que tiene el filme, una de ellas sea a Scheherezade? Creo que no. En la casa es una especie de ingeniosa, morbosa y satírica actualización de la historia Las mil y una noches donde Ozon, en un ejercicio de virtuosismo narrativo (y de montaje), alterna realidad y ficción como si de un mago se tratase. Un juego de espejos muy “woodyallenesco” en el que las fronteras entre lo real y lo imaginario (que no fantástico) se confunden cada vez más a medida que nos acercamos al final de la película.

El personaje de Claude se convierte en la Scheherezade de Germain pero, a la vez, se convierte en la nuestra. En un estupendo juego metalingüístico, el devenir de su relato trasciende gradualmente del papel para cobrar vida en la pantalla y repercutir en la historia del filme, de tal manera que ambos se funden en uno solo siendo, el propio Claude, el que juega simultáneamente con los personajes y el propio espectador.

Con tan ocurrente recurso narrativo, que demuestra lo poco exploradas que están algunas fórmulas de contar historias en el cine, Ozon navega entre el voyeurismo de Hitchcock y la turbia seducción del visitante de Teorema (1968) de Pasolini para manipularnos (en el sentido más positivo del término) y mantener nuestro interés centrado en la pantalla.

La película transita por una vía que empieza en la inocencia de un simple alumno ávido de aprendizaje, prosigue por la comedia inteligente que, luego, muta en drama sentimental y acaba en una suerte de maquiavélico final un tanto abrupto y atropellado y es que, al contrario de una de las frases que el personaje de Germain cita sobre los finales de las novelas, este final no te lo esperas, pero podría haber acabado de otra manera.

A lo largo de ese trayecto vemos el proceso de aprendizaje que experimenta tanto Germain como Claude, porque ambos aprenden el uno del otro en esa reflexión que Ozon hace sobre el proceso de creación y sobre la relación entre el autor y su público. Un proceso que tanto se puede aplicar a la literatura, al cine, al teatro o a cualquier medio o expresión que implique crear. La relación que se establece entre ambos protagonistas va más allá de profesor/alumno. En realidad, se trata de una dependencia artística entre dos personas en diferentes momentos vitales y separadas por varias generaciones pero que viven por y para la ficción, que canalizan sus deseos, sus miedos y sus inquietudes a través de la literatura y ahí los tenemos, al final, sentados en un banco el uno al lado del otro, cual sultán Schariar doblegado por su retorcida Scheherezade particular, imaginando historias para sentirse vivos.

En la casa viene avalada por la Concha de Oro del Festival de San Sebastián pero es una película que no necesita aval ninguno, ella sola tiene la calidad suficiente como para hacer las delicias tanto de los cinéfilos empedernidos como de aquél que le guste el cine y busque pasar un buen rato viendo un producto entretenido, divertido, emocionante y que apunta directamente al intelecto del espectador pero, también, a su corazón.

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Ficha técnica

Título: En la casa

Título original: Dans la maison

Dirección: François Ozon

Guión: François Ozon (Obra: 'El chico de la última fila' de Juan Mayorga)

Fotografía: Jérôme Alméras

País: Francia

Año: 2012

Duración: 105 min.

Reparto: Fabrice Luchini, Ernst Umhauer, Kristin Scott Thomas, Emmanuelle Seigner, Catherine Davenier, Jean-François Balmer, Yolande Moreau, Denis Menochet, Bastien Ughetto

Web:www.facebook.com/DansLaMaison.lefilm

Distribuidora:Golem Distribución

Productora:FOZ, Mandarin Films, Wild Bunch, France 2 Cinéma

Departamento artístico: Anne Pelosi, Manuel Demoulling, Thibaut Peschard, Thomas Morange

Departamento editorial: Charles Fréville, Loïc Lallemand

Departamento musical: Antonio Gambale, Benjamin Caillaud, Cecile Coutelier, Guillaume Clément, Jean-Pierre Arquie, Marie Sabbah, Stéphane Reichart

Efectos visuales: Alexandre Gény, Frederic Moreau, Jerome Binckly, Laurent Brett, Mikael Tanguy, Olivier Debert, Sarah Moreau

Maquillaje:Franck-Pascal Alquinet

Montaje: Laure Gardette

Música: Philippe Rombi

Sonido: Benoit Gargonne, Brigitte Taillandier, Christophe Brajdic, Jean-Paul Hurier, Johann Nallet, Mélanie Mourey, Nicolas d'Halluin, Niels Barletta, Vincent Gregorio

Vestuario: Pascaline Chavanne

Premios

2012: Festival de Toronto: Premio FIPRESCI
2012: Festival de San Sebastián: Concha de Oro mejor película, mejor guión

Tráiler

Georges Méliès, D.W. Griffith, Orson Welles, Luís Buñuel, Alfred Hitchcok, Jean-Luc Godard, Roberto Rossellini o Stanley Kubrick son algunos ejemplos de cineastas que en determinados momentos de la historia del celuloide decidieron salirse de la recta trazada hasta el momento y descubrir nuevos horizontes que jamás se hubiera pensado que existían. La Nouvelle Vague francesa de finales de los sesenta, supuso uno de los movimientos culturales y, sobre todo, cinematográficos más importantes que hemos tenido hasta ahora. Jean-Luc Godard, François Truffaut, Alain Resnais entre otros, se propusieron cuestionar el cine en sí mismo, poniendo en tela de juicio las convenciones cinematográficas establecidas por el modelo de Hollywood que, como si fábricas de trabajadores se tratase, con sus grandes estudios y sus métodos de producción destinados a buscar la máxima rentabilidad, habían convertido el cine en toda una industria del entretenimiento. Dichos cineastas (que anteriormente fueron críticos cinematográficos en la revista francesa Cahiers du Cinéma y amaban al cine por encima de cualquier cosa) decidieron romper ese sistema, reivindicando no sólo una nueva manera de hacer cine, sino, también, de entenderlo. Lo abordaron desde la ruptura consciente de sus códigos y desde el sentido más estricto del concepto de director como autor de la obra.

Al final de la escapada(1960) de Jean-Luc Godard

Léos Carax (anagrama de su nombre “Alex” y su apellido “Oscar”) era un adolescente francés apasionado del cine cuando la Nouvelle Vague ya había irrumpido con fuerza en la cinematografía francesa y mundial, con lo cual creció empapándose de esa corriente artística. Bien claro lo demostró con Chico conoce chica(1984), su primer filme, y, sobre todo, con Mala sangre (1986), un brillante homenaje a todo ese cine que tanto le ha influido. La crítica lo incluyó en un grupo de cineastas franceses, entre los cuales se encuentra la directora Claire Denis, amiga de Carax que incluye en la lista de agradecimientos de Holy Motors, considerados los herederos directos de la Nouvelle Vague. Carax, como Claire Denis (1), no han recibido dicho calificativo por el mero hecho de utilizar en ciertos momentos los mismos recursos técnicos característicos de ese tipo de cine (Jump-cuts, actores mirando a la cámara, localizaciones exteriores, miles de referencias y citas…), sino porque entienden el cine como ellos lo entendían, el cine como expresión artística completamente libre de convenciones y ataduras, el cine como única forma de vida, el cine como Arte. Como la relación entre un pintor y el lienzo, la película es el medio en el que plasmar sus sentimientos, sus inquietudes, sus emociones, en definitiva, su Vida.

Edith Scob en una secuencia de Holy Motors que cita directamente a Los ojos sin rostro(1960) de Georges Franju

Holy Motors es precisamente eso, una reivindicación del cine en su forma más pura y, a la vez, un desconocido prisma por el que contemplarlo. Carax rompe con cualquier barrera a la creatividad y, desligado de cualquier pauta preexistente, plantea a los espectadores abstraídos del inicio del filme, una nueva forma de mirar a la gran pantalla. Para ello, el cineasta francés apela a lo primigenio del séptimo arte, a su impostura idiosincrásica, al devenir entre bastidores, a la exaltación del intérprete como único artificio y protagonista absoluto del encuadre de la cámara, a la desnudez de su acto, a su belleza.

Léos Carax en la primera secuencia de Holy Motors

“La belleza está en la mirada del que observa”dice un personaje en un momento del filme, “¿y si dejan de mirar?”le replica otro. Léos nos recuerda que el cine también es Arte y, como tal, es variable, mudable, alterable, incomprensible, espontáneo, intuitivo, natural y, por ello, todo depende de los ojos con los que se mire. Para aquellos espectadores ávidos de racionalismo y coherencia, con la necesidad de tener una explicación para todo, la película se podría resumir en dos frases: un hombre llamado Oscar, se dedica a recorrer todo París dentro de una limusina interpretando varios personajes (una mendiga, un bróker, un padre de familia, un extraño ser, un asesino…) como si fueran distintas ficciones dentro de la propia ficción de la película. Visto desde una perspectiva tradicional, nada tiene sentido, pero visto desde la irracionalidad y la pulsión pasional del artista, el filme nos ofrece una experiencia sensorial sin precedentes, al mismo tiempo que nos muestra un porvenir cinematográfico lleno de rincones nuevos que explorar.

Oscar (Denis Lavant) junto a la contorsionista Zlata en una de sus "citas"

Holy Motors es mucho más que un “me gusta”, “es buena”, “es mala”, “un 9/10”. Holy Motors da vida al cine. ¿Una triste metáfora sobre el individuo contemporáneo, sin una identidad definida y perdido en un mundo asentado en la pantomima?, ¿Una reflexión sobre una sociedad que no sabe de dónde viene ni hacia dónde va? o ¿Una simple sucesión de imágenes concatenadas sin ningún tipo de sentido? Carax lo tiene claro:“Lo que expresa esta película es que ya no tengo otra vida que el propio cine”(2).

(1)Recomiendo leer el magnífico monográfico sobre Claire Denis escrito por Sergio Morera en la revista TRANSIT: http://cinentransit.com/las-ficciones-de-claire-denis-1988-2004-12/

(2) Entrevista a Léos Carax: http://www.larazon.es/noticia/8857-leos-carax-mis-filmes-son-tan-simples-que-hasta-un-nino-podria-verlos

Los dos momentos más mágicos de Holy Motors

Kylie Minogue interpretando "Who were we?" en el momento más emotivo de la película

El momento del "entreacto" es un momento catártico dentro del filme. Una isla en medio del metraje de PURA magia

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Premios

2012: Festival de Cannes: Sección oficial de largometrajes
2012: Festival de Sitges: Mejor película, director y Méliès d’Argent (mejor film europeo)

Ficha técnica

Título:Holy Motors

Título original: Holy Motors

Dirección: Leos Carax

Guión:Leos Carax

Fotografía:Caroline Champetier, Yves Cape

País: Francia

Año: 2012

Duración:110 min.

Reparto:Denis Lavant, Edith Scob, Eva Mendes, Kylie Minogue, Michel Piccoli, Jean-François Balmer, Big John, François Rimbau, Karl Hoffmeister

Web:www.holymotorsfilm.com

Distribuidora:Avalon

Productora: Les Films du Losange, arte France Cinéma, Pierre Grise Productions, CNC

Departamento artístico: Benoît Herlin, Bertrand Alberge

Departamento editorial: Aurélien Grand, Reginald Gallienne

Dirección artística:Emmanuelle Cuillery

Diseño de producción: Florian Sanson

Efectos visuales:Alain Bignet, Alexandre Bon, Aurelie Lajoux, Damien Maric, David Gourmaud, Jean-Francois Michelas, Philippe Desfretier, Sabine Lineres, Yoann Berger

Maquillaje:Bernard Floch, Olivier Seyfrid

Montaje: Nelly Quettier

Sonido: Carsten Richter, Emmanuel Croset, Erwan Kerzanet, François Boudet, Hanse Warns, Josefina Rodríguez, Marcus Sujata

BSO

El cineasta barcelonés Cesc Gay, autor de títulos como Krámpack (2000) o En la ciudad (2003), presentó en Barcelona su última película Una pistola en cada manocon la presencia de gran parte del elenco del filme, entre los que estaban Javier Cámara, Candela Peña, Eduard Fernández, Clara Segura y Leonardo Sbaraglia.

The Big Kahuna tuvo la oportunidad de realizarle una corta entrevista. Aquí la tenéis:

Esta película se centra en los personajes masculinos, ¿cómo crees que sería hablando de los personajes femeninos?

Será la siguiente película que haga (risas). No, no sé si será la siguiente. Alguien me decía que hiciera una de mujeres. En esta película me apeteció escribir desde la visión de los hombres y pensando en nosotros y ellas tenían el contrapunto como personajes que ayudaban a desarrollar las cosas y que habían de ser estupendas, fantásticas, generosas, comprensivas porque, eso, aún nos hunde más.

¿Crees que el hombre se acerca más a la fanfarronería que hace ver el título y la cita en la película a John Wayne o a la visión desmitificada del mismo que muestras en la película?

Somos fanfarrones por naturaleza (risas). Mucho más que en el filme, pero creo que las películas siempre se quedan cortas a la hora de retratar lo que se pretende retratar.

¿Te ves haciendo una película de gran presupuesto?

Hombre, me encantaría, porque cuanto más presupuesto, más cobras (risas).

Me refiero a nivel artístico

No sé. Cada película tiene su “qué”. Has de luchar por la película que te apetece hacer y luego resultará que tiene el presupuesto que tiene. Si quisiera hacer una película de ciencia ficción, obviamente necesitaría un presupuesto más alto pero, al final, como director estás igual, estás con unos actores, un guión,… no cambia tu trabajo.

Todas tus películas se han enmarcado dentro de un mismo género, el drama/comedia. ¿Te ves haciendo una película de otro tipo de género como, por ejemplo, el de ciencia ficción?

Me veo. Me gustaría mucho pero soy consciente de que eso me ocurrirá si encuentro guiones que no son escritos por mí y me gustaría encontrarlos pero cuesta que circulen guiones de este tipo que te atrapen y que estén bien.

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Lo mejor: El retrato tan sincero y sin complejos que hace Gay de los hombres

Lo peor:No poder ver más minutos de todo el excelente reparto compartiendo escena

Puntuación:8/10

Lo que me fascina del cine de Cesc Gay, es la capacidad que tiene de fotografiar a sus personajes y sus circunstancias con una franqueza y afecto abrumadores. Es un certero retratista de paisajes emocionales cotidianos donde vemos a personas normales en situaciones normales sobrellevando sus problemas particulares. Siempre ha orientado el plumín de su estilográfica hacia la interacción de sus personajes con la cotidianidad y con los demás, a la “reflexión sobre ellos mismos, el momento que viven, sus cosas, sus crisis”, como dice el personaje de Eduard Fernández en Ficció (2006).

Sus películas producen un fuerte impacto emocional por el tremendo apego a la realidad de sus historias. Sin aderezos, sin adornos, sin moldes cinematográficos prefijados, sus relatos navegan por parajes en los que el drama y la comedia, la felicidad y la tragedia, la desgracia y la fortuna se confunden constantemente. Unos parajes que cada espectador puede percibir de una manera u otra dependiendo de la experiencia vital vivida. Gay se aleja de los blancos y negros y empapa a sus filmes de esa amplia gama de grises que ofrece la vida y, en concreto, las relaciones sentimentales.

Si existe un nexo temático común en la filmografía de Cesc Gay, ése se encuentra en las relaciones personales, tan sencillas y tan complejas a la vez. Teje sus narraciones de un entramado afectivo en el que sorprende, sobre todo, la lealtad y la honestidad con la que trata a los personajes masculinos en sus películas, y es ahí donde su último filme cobra entidad.

Una pistola en cada mano muestra a los hombres tal y como somos, sin complejos, sin estereotipos. Cesc Gay lo ha vuelto a hacer y, esta vez, mejor que nunca. Desnuda la figura del hombre desde la sinceridad, el cariño y el humor sutil. Desmitifica todos los tópicos sociales —y cinematográficos— que siempre nos han adjudicado y muestra que los hombres también lloramos y somos débiles, también reconocemos nuestros errores y pedimos perdón y también nos ponen los cuernos y sufrimos en silencio por ello.

Todo ello lo hace a través de cinco historias diferentes contadas en clave de comedia episódica que evita que la película devenga en un melodrama de dimensiones estratosféricas. El talento de Gay como guionista consigue provocar una sonrisa donde correspondería una lágrima sin que ello quite de que, bajo ese tono cómico, aniden verdades como puños.

Muchas veces se ha comentado que Cesc Gay es un director de actores, un director que crea un guión muy personal y sabe sacar el máximo partido de sus intérpretes. Una pistola en cada mano supone el paradigma de esas afirmaciones. El guión que, a diferencia del de En la ciudad (2003) y Ficció que se trataban de ejercicios de contención, pone especial énfasis en la palabra, requiere un especial trabajo de maduración del personaje por parte del reparto actoral que Gay sabe controlar y amoldar a su gusto para conseguir que la cinta salga adelante únicamente con diálogos y el trabajo interpretativo. Aquí no hay grandes virguerías de cámara o espectaculares efectos especiales, sino que lo pequeño, lo sutil o lo íntimo es lo que más cuenta.

No importa si eres hombre o mujer, como tampoco la edad que tengas, lo que Una pistola en cada mano nos está contando nos ha ocurrido a todos en algún instante de nuestras vidas. Alguna vez nos hemos sentido rechazados por otra persona a la que sentimos algo por ella, alguna vez hemos pasado por una difícil situación personal y nos hemos sentido deprimidos, alguna vez hemos hecho el ridículo ante otra persona y nos hemos tenido que tragar nuestro propio orgullo, alguna vez hemos pasado por una crisis de pareja y es que, esos pequeños lances de la vida, esas emociones y sensaciones tan personales es lo que hace grande al cine de Cesc Gay, un director que consigue lo máximo a partir de lo más mínimo.

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Pincha aquí si quieres leer la entrevista que THE BIG KAHUNA le realizó a Cesc Gay

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Ficha técnica

Título:Una pistola en cada mano

Título original: Una pistola en cada mano

Dirección: Cesc Gay

Guión: Cesc Gay, Tomàs Aragay

País: España

Año: 2012

Duración:90 min.

Reparto: Ricardo Darín, Luis Tosar, Javier Cámara, Eduardo Noriega, Leonor Watling, Candela Peña, Cayetana Guillén Cuervo, Eduard Fernández, Leonardo Sbaraglia, Jordi Mollà, Alberto San Juan, Clara Segura, Ernest Villegas, Mar Ulldemolins

Distribuidora:Filmax

Productora:Impossible Films, Catalan Film and Television, Televisió de Catalunya (TV3), Instituto de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales (ICAA), Televisión Española (TVE), Canal+ España, Audiovisual Aval SGR, ICF Institut Català de Finances, Institut Català de les Empreses Culturals (ICEC)

Departamento editorial: Enric Sebastià, Laura Sanchez

Dirección artística: Silvia Steinbrecht

Diseño de producción: Bernat Rifé

Efectos visuales:Eloi Bartolomé, Eloi Garcia

Fotografía: Andreu Rebés

Montaje:Frank Gutiérrez

Música: Jordi Prats

Sonido:Albert Gay, Enrique G. Bermejo, Ricard Casals, Sergi Rueda

Tráiler

Lo mejor:Cada minuto de Anne Hathaway

Lo peor:Que la historia no emocione tanto como determinados números musicales

Puntuación:7/10

Si tuviéramos que realizar una lista con los mejores musicales habidos y por haber, Les misérables estaría en los primeros puestos, sino en el primero. Un éxito teatral con más de 60 millones de espectadores en 42 países que estaba chillando a gritos que fuera adaptado a la gran pantalla y no sólo por la tremenda fama que ha ido cosechando durante sus 28 años en teatros de todo el mundo, sino porque su historia, basada en la famosa novela homónima de Víctor Hugo, se trata de un melodrama épico que reflexiona sobre temas tan universales como la justicia, la libertad, la ley y la ética, elementos muy tentadores de llevar al cine por su inherente naturaleza cinematográfica y más en una época en la que somos esclavos —para lo bueno y para lo malo— del hypemediático e internauta.

Tom Hooper —El discuro del rey (2010)— ha sido el encargado de trasladar la trágica historia de Víctor Hugo de los teatros a las pantallas. Un director que, como ya demostró en sus anteriores filmes, es muy dado a planificar muchas de sus secuencias a base de primeros planos. Un estilo particular que encuentra en Los miserables su principal forma de expresión ya que la adaptación de Hooper supone una colosal exaltación del drama cantado a cámara en un primerísimo primer plano de los rostros de los actores.

La utilización del primer plano en la historia del cine ha tenido diferentes finalidades según la forma en la que se empleara la técnica pero, en esencia, el primer plano de un rostro supone una de las formas más genuinas de expresión de los sentimientos y una forma de explorar las emociones más primigenias del ser humano, a no ser que seas un genio absoluto como Ingmar Bergman y el uso del primer plano suponga la destrucción del rostro en sí mismo o, como Gilles Deleuze dice, la “destrucción de la individualidad”.

Tom Hooper no es Ingmar Bergman y ha tomado la decisión de trasladar toda la tragedia del musical a los semblantes de los actores dejando a la historia que subyace, huérfana de interés y emoción. Hooper ha dado más prioridad al efectismo que a la narración y eso se nota a medida que avanza el filme. El director británico ha apoyado toda la película en la —magnífica— interpretación de los actores y ha aprovechado el sobrecogedor sentimiento que poseen los temas musicales como catalizador de emociones del relato, pero ello no es suficiente para suplir la falta de atracción que adolece la historia de fondo. El descenso a los infiernos de Fantine es demasiado atropellado, las elipsis son muy bruscas, el triángulo amoroso entre Cosette, Marius y Éponine está bastante difuminado, la segunda parte del filme pierde en ritmo y gana en empalagamiento y, el empeño de Hooper en ser fiel al espíritu del musical, alarga el metraje hasta las excesivas dos horas y media.

Que se esté adaptando un musical no significa que se deba descuidar el cómo se cuenta la historia. West side story (1961) o Moulin Rouge (2001) son ejemplos de musicales en los que emocionaban los números y, también, lo que se nos contaba. Cierto es que dichas películas no partían de un referente previo en el que basarse a diferencia de Hooper que está adaptando el musical teatral de Claude-MichelSchönberg y Alain Boublil, pero podría haber explotado más esas consultas que realizó a la novela de Víctor Hugo para enriquecer la narración del filme.

La direcciónde Hooper funciona, pues, por piezas musicales revelando a los intérpretes como el mayor atractivo de la película. Esa recreación en el padecimiento de los personajes que tanto subraya el director británico hubiera significado un total desastre sin unas adecuadas interpretaciones y es ahí donde Los miserables gana más enteros. Que los actores cantaran en directo, sin playback, y que los responsables de casting eligieran a buenos actores que supieran cantar y no buenos cantantes que supieran actuar han sido las decisiones más acertadas del filme. Sus cantos cobran un realismo inusitado en el género musical y prevalece la interpretación a la técnica vocal, hecho que elimina, en cierta medida, la impostura propia del musical y favorece la aproximación anímica a lo que se está contando.

No era nada fácil llevar Los miserables a la gran pantalla siendo fiel al musical y, a la vez, amoldando la estructura teatral al lenguaje cinematográfico actual. Que Tom Hooper, en su anhelo por recrear lo dramático de la historia, se haya lanzado de lleno a la épica emocional en lugar de potenciar la grandeza de la historia, es una apuesta arriesgada que conmoverá a muchos y chasqueará a otros, por eso, de Los miserables de Hooper no queda la heroicidad de unos desgraciados que luchan por sus sueños y se sublevan ante una realidad que les oprime, sino que queda la tremenda conmoción que provoca la imagen de Anne Hathaway sollozando el famoso “I dreamed a dream” rota de dolor y tristeza. Que ya es mucho.

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Clips

Javert (Russel Crowe) interpretando el tema"On Parole"

Fantine (Anne Hathaway) interpretando el tema "At the end of the day"

Jean Valjean (Hugh Jackman) interpretando el tema "Who am I"

Premios

2012: Globos de Oro: 4 nominaciones, incluyendo mejor película comedia/musical
2012:Satellite Awards: 3 premios, incluy. mejor actriz de reparto (Hathaway). 10 nomin.
2012: National Board of Review (NBR): 10 mejores films y Mejor reparto
2012:Asociación de Críticos de Los Angeles: 2ª posición mejor actriz sec. (Hathaway)
2012: American Film Institute: Top 10 - Mejores películas del año

Ficha técnica

Título: Los miserables

Título original: Les Misérables

Dirección:Tom Hooper

Guión: William Nicholson

Novela original: Victor Hugo

Letras:Herbert Kretzmer

Música no original:Claude-Michel Schönberg

Fotografía: Danny Cohen

País: El Reino Unido

Año: 2012

Duración: 157 min.

Reparto:Anne Hathaway, Amanda Seyfried, Russell Crowe, Hugh Jackman, Helena Bonham Carter, Sacha Baron Cohen, Eddie Redmayne, Dee Bradley Baker, Samantha Barks, Ignacio Guirado, Aaron Tveit, Colm Wilkinson

Web:www.lesmiserablesfilm.com
Distribuidora:Universal International Pictures
Productora:Working Title Films, Cameron Mackintosh Ltd.

Coproducción:Bernard Bellew

Departamento artístico: Alice Sutton, Amy Merry, Ben Munro, Benoît Tetelin, Brigitte Ward-Holmes, Cadi Helene Rowlands, Chris Peters, Daniel Thompson, Douglas Ingram, Gavin Fitch, Helen Dawson, James Hendy, Jane Harwood, Jon Marson, Julia Castle, Katie Turner, Ketan Waikar, Kristy Parnham, Lizzie Bravo, Malcolm Roberts, Mark Smith, Patrick Harris, Richard Van Den Bergh, Sandra Warner, Sophie Neil, Stephen Doyle, Steve Simmons, Terry Woods, Theofano Pitsillido

Dirección artística: Gary Jopling, Grant Armstrong, Hannah Santeugini, Su Whitaker

Diseño de producción: Eve Stewart

Efectos especiales: David 'Pinkie' Thomas, David Holt, Hugh Goodbody, Jamie Weguelin, Mark Holt, Mark Hutchinson, Martin 'Marty' McLaughlin, Paul McGuinness

Maquillaje:Alice Moore, Audrey Doyle, Chris Lyons, Julia Vernon, Julie Dartnell, Karen Cohen, Kristyan Mallett, Lisa Westcott, Malwina Suwinska, Michael Byrne, Nicola Buck, Patt Foad, Sarah Grispo, Sarah Hamilton, Simon Taylor, Sinead Sweeney, Victoria Warrington

Montaje: Chris Dickens

Sonido: Andrew Rowe, Arthur Fenn, Duncan Craig, James Gibb, Paul Schwartz, Robin Johnson, Simon Hayes
Vestuario:Paco Delgado

Tráiler

Se acaba el año y, como de costumbre, toca hacer el balance de lo que hemos podido disfrutar a lo largo del mismo. Este 2012, a parte de los vaticinios mayas sobre el fin del mundo, nos ha dejado grandes acontecimientos cinematográficos: el 50 aniversario de la franquícia Bond, el final de la trilogía del Batman de Nolan, el éxito con récord incluído de Lo imposible de J.A. Bayona, el regreso de Ridley Scott a la ciencia ficción, varios reboots de sagas, el estreno de Manolete, un éxito mundial como es el de Intocable, una nueva película de Garci y muchas cosas más.Para THE BIG KAHUNA éste es el resumen de todas las películas que se han estrenado en cines este 2012.

TÍTULOS DE CRÉDITO INICIALES

FINALES

Moneyball: Rompiendo las reglas:una película centrada en un mundo tan competitivo como es el del bésibol profesional en EEUU que culmina con un final tremendamente emotivo (se puede ver aquí)

Take Shelter:un inquietante final tan perturbador como la interpretación de su protagonista, Michael Shannon (se puede ver aquí)

Looper: sorprendente y redondo final para una de las películas de culto instantáneo para los amantes del buen sci-fi (se puede ver aquí)

DESCUBRIMIENTOS

Kara Hayward de Moonrise Kingdom Zoe Kazan (como guionista) de Ruby Sparks

Tom Holland de Lo imposible El niño de Looper

EFECTOS ESPECIALES

Poderes telequinéticos de Chronicle:nunca unos efectos especiales habían lucido tan bien en el found-footage (se pueden veraquí)

Slo-Mo de Dredd:Matrix puso de moda el llamado "bullet time" (efecto bala) y Dredd lleva ese efecto a un nivel superior. Pura belleza visual (se puede ver aquí)

Richard Parker:el tigre de CGI que vemos en La vida de Pi no sólo parece real, sino que se convierte en uno de los personajes más carismáticos de este año (se puede ver aquí)

PEINADOS IMPOSIBLES

QUOTES

"You should have listened to your prostate"

Benno Levin,Cosmópolis

"Freddie is, you see, for me... the whole of life. And death.

So, put a label on that if you can"

Hester Collyer, The deep blue sea

"You ever killed anyone? It can get touchy-feely. Emotional, not fun, a lot of fuss. They cry, they pread, they beg, they piss themselves, they cry for their mothers. Its gets embarrassing. I like to kill'em softly. From a distance."

Jackie Cogan, Mátalos suavemente

NOMBRES PROPIOS

J.A. Bayona: sin duda alguna, el hombre del año en el cine español ha sido Bayona. Lo imposible se ha convertido en mucho más que una película, se ha convertido en todo un fenómeno. Con más de 40 millones de euros (y lo que le queda) recaudados en España y más de 5,6 millones de espectadores, se ha coronado como la película española más taquillera de la historia de nuestro país, desbancando a Los otros de Alejando Amenábar y a Titanic de James Cameron. No sólo tiene muchas papeletas de triunfar en los Goyas, sino que también huele a alguna nominación en la Ceremonia de los Oscars de este año. ¡Olé! por Bayona.

Joss Whedon: Los Vengadores y The cabin in the woods. Esas son las dos razones por las que su nombre ha entrado en las listas de los mejores directores norteamericanos del panorama actual. Ambas películas son dos joyas cinematográficas que quedarán grabadas de por vida en la retina de los fans del género de superhéroes y de terror. Desde un extenso conocimiento y un profundo amor por el género, Whedon ha conseguido aunar espectáculo, diversión, inteligencia y entretenimiento a raudales. No se las pierdan.

Tony Scott: desgraciadamente su nombre fue noticia en todos los medios del mundo por su fallecimiento el pasado mes de agosto en lugar de por el estreno de una nueva película suya. El director británico hermano de Ridley Scott, conmocionó al mundo del celuloide al decidir poner fin a su vida tirándose del puente Vincent Thomas de San Pedro, en el puerto de Los Ángeles. Autor de grandes películas como El ansia, El último Boy Scout, Amor a quemarropa y El fuego de la venganza, el hermano pequeño de los Scott nos hizo creer que el amor a primera vista en mitad de una sesión triple de películas de Kung Fu era posible.

Emily Blunt: este ha sido su año. Con 5 películas estrenadas (El amigo de mi hermana, La pesca del salmón en Yemen, Los Muppets, Eternamente comprometidos y Looper), esta actriz británica de 29 años se ha convertido en uno de los rostros de moda de Hollywood. Después de ganar el globo de oro en el 2007 como mejor actriz de reparto de telefilme por la TV movie Gideon's Daughter y estar nominada ese mismo año como mejor actriz de reparto por El diablo viste de prada, parece ser que este año ha sido su despegue oficial hacia el estrellato. Es una actriz que posee una mezcla de dulzura, comicidad, belleza y emotividad que muchas actrices jóvenes de hoy en día deberían envidiar. Esperemos seguir viéndola en más películas.

CANCIONES

Skyfall - Adelede Skyfall (escuchar aquí)

The concept - Teenage fanclubde Young Adult (escuchar aquí)

Marcy's song - John Hawkes de Martha Marcy May Marlene (escuchar aquí)

Ca plane pour moi - Plastic Bertrand de Ruby Sparks (escuchar aquí)

MOMENTOS MUSICALES

Anne Hathaway cantando "I dreamed a dream" en Los Miserables

10 MOMENTOS MEMORABLES

10-La boda improvisada de Jason Segel y Emily Blunt en Eternamente comprometidos

9- Los primeros 5 minutos de The deep blue sea (se pueden veraquí)

8- La secuencia de las granadas de Venganza 2: Conexión Estambul(se puede ver aquí)

7- Momento sierra mecánica con traje de boda ensangrentado de [•REC]³ Génesis (se puede ver aquí)

6-La sentencia final del juez Dredd a "Ma-Ma" de Dredd (se puede ver aquí)

5-El terrorífico momento de manipulación y maltrato psicológico de Ruby Sparks

4- La delirante secuencia de los monstruos de The cabin in the woods (se puede veraquí)

3- La auto-cesárea de Prometheus (se puede ver aquí)

2- El entreacto de Holy Motors (se puede ver aquí)

1- La muerte atroz por explosión telequinética de Looper (se puede ver aquí)

PERSONAJES CÓMICOS

Lester Siegel (Alan Arkin) y
John Chambers (John Goodman) de Argo

Serafín de El mundo es nuestro

Dallas (Matthew McConaughey) de Magic Mike

CAMEOS ESTELARES

Chuck Norris como "El lobo solitario" en Los mercenarios II (se puede ver aquí)

Gollum en El Hobbit: Un viaje inesperado (se puede ver aquí)

James Gandolfini como Mickey en Mátalos suavemente

VILLANOS

Tim Briggs (Giovanni Ribisi) de Contraband

Silva (Javier Bardem) de Skyfall

Bughuul de Sinister

DECLARACIONES

"No sé a qué público va dirigida. Lo único que sé es que hay gente que va a morir muy pronto y... eso es todo. No hago películas para el público, hago películas privadas e invito a quien quiera a venir y verlas"

Leos Carax sobre Holy Motors en Cannes

"La esclavitud en Estados Unidos no es un spaghetti western de Sergio Leone, fue un holocausto. Mis ancestros son esclavos, robados en África, por lo que yo les honraré"

Spike Leesobre Django desencadenado de Quentin Tarantino

"Mientras resolvemos este asunto (el de Julian Assange de Wikileaks), me gustaría también llevar a Aznar al Tribunal de La Haya"

Oliver Stoneen el Festival de San Sebastián

TOP 10 PELÍCULAS

10- "Martha Marcy May Marlene" de Sean Durkin
9- "Dans la maison" de François Ozon (leer crítica aquí)
8- "Prometheus" de Ridley Scott (leer crítica aquí)
7- "The deep blue sea" de Terence Davies
6- "Moonrise Kingdom" de Wes Anderson
5- "Looper" de Rian Johnson (leer crítica aquí)
4- "Los descendientes" de Alexander Payne
3- "The cabin in the woods" de Drew Goddard
2-"Shame" de Steve McQueen (leer crítica aquí)
1-"Holy Motors" de Léos Carax (leer crítica aquí)

TOP 10 PELÍCULAS ESPAÑOLAS

10-"Madrid, 1987" de David Trueba
9-"Diamond Flash" de Carlos Vermut
8-"[•REC]³ Génesis" de Paco Plaza (leer crítica aquí)
7-"Grupo 7" de Alberto Rodríguez
6-"Els nens salvatges" de Patricia Ferreira
5-"El mundo es nuestro" de Alfonso Sánchez
4-"Una pistola en cada mano" de Cesc Gay (leer crítica aquí)
3-"Blancanieves" de Pablo Berger (leer crítica aquí)
2-"Animals" de Marçal Forés
1-"Lo imposible" de J.A. Bayona

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Pascal Laugier, director francés de la desgarradora Martyrs (2008), estrena hoy El hombre de las sombras, su primera película rodada íntegramente en inglés y con actores y actrices norteamericanos.Un sorprendente filme que juega con varios géneros de una manera muy inteligente y que presentó en la última edición del Festival de Sitges donde THE BIG KAHUNA tuvo la oportunidad de realizarle una entrevista personal. Aquí la tenéis:

1.- Tu anterior película, Martyrs, era una película muy dura donde abundaban las escenas gores y la violencia explícita, en cambio, en El hombre de las sombras, juegas más con el miedo y el efecto que éste provoca a las personas sin mostrar demasiada violencia. ¿Qué es lo que te ha llevado a realizar este cambio visual?

De hecho el gore, la brutalidad y la radicalidad de la violencia no era la finalidad de esta película, por eso, en El hombre de las sombras, el maquillaje, los sonidos o la iluminación son las herramientas que quería utilizar para explicar esta historia. En Martyrs, el gore sí que funcionaba a nivel de narración pero aquí era completamente inútil ya que la idea, como bien has dicho, era totalmente diferente. Además, quiero destacar que Martyrs fue una película que creó debate social precisamente por las escenas de violencia explícita que contenía y no quería que me encasillaran en un mismo tipo de cine, por ello el cambio.

2.- El filme trata un tema tan delicado como es el secuestro de menores. ¿Por qué decidiste tratar este asunto?

Es un tema que siempre me ha fascinado y por ello lo tomo como punto de partida en la película. Quería explorar este “mito moderno” en el que se han convertido las desapariciones de, sobre todo, niños que han estado en paradero desconocido durante muchos años y que nunca más se ha vuelto a saber de ellos. De hecho, estas estadísticas que vemos al principio del filme, son estadísticas reales que me facilitaron unos amigos que tengo trabajando en el FBI y son los datos de millones de niños que nunca han sido encontrados, por lo tanto, creí que era un punto de partida perfecto para crear misterio en una película.

3.- ¿Cuál es el mensaje que quiere dar con El hombre de las sombras?

No tiene ningún mensaje. De hecho, no me gustan las películas que “te condenan” a un mensaje y tampoco creo que la finalidad del cine sea transmitir un mensaje. No creo que haya una necesidad de formular una pregunta y que siempre se tenga que dar la respuesta a esa pregunta. Tampoco me gusta que un director tenga que mostrar sus convicciones y valorar si esas convicciones son correctas o no ya que no creo que ese sea el verdadero trabajo de un cineasta. Sabía que la temática que estaba abordando en El hombre de las sombras era una temática muy compleja y nunca pretendí decir si lo que yo pienso está bien o está mal. Precisamente quería moverme por una zona gris donde no se explicara todo explícitamente, que hubiera lugar al misterio y al enigma ya que cada día me hago un millón de preguntas y, por ello, no creo que pueda dar respuesta a todas ellas. Lo único que quería conseguir con El hombre de las sombras era confrontar un protagonista y un antagonista para que la gente sacara sus propias conclusiones.

4.- Hacia la mitad de la película hay un giro de guión bastante sorprendente. ¿Hasta qué punto le gusta jugar con el espectador?

Me encanta jugar con el espectador porque me apasiona esa capacidad que tiene el cine de poder manipular las mentes humanas. La idea de un giro de guión ha de estar justificada y sólo la encuentro justificada cuando ese giro se convierte en la matriz de la película y tiene una coherencia absoluta. No me gustan estos filmes que tienen giros que no acaban de ser honestos con la congruencia narrativa. A mí me gusta llegar a la esencia del cine y hacerme las preguntas básicas del mismo para intentar responderlas con este tipo de giros que, en parte, también tienen que ver con la moral del cine. Creo que esto se ha perdido en el cine contemporáneo de los EEUU, en lo que se refiere a grandes producciones, porque todo esto queda escondido detrás de una pirotecnia, de unos juegos de cámara, de la velocidad narrativa, en definitiva, de las cuestiones más técnicas. Aunque sorprenda, yo vengo de un cine clásico y el cine que yo hago sigue precisamente sus cánones: contar una historia desde diferentes puntos de vista.

5.- ¿Qué cineastas te han influido más en tu manera de hacer cine?

Son muchísimas las influencias que tengo y como he dicho, el cine clásico de los EEUU me ha marcado mucho a la hora de dirigir. John Ford, Alfred Hitchcock u otros grandes cineastas de aquella época serían un ejemplo. Pero cuando he ido evolucionando como director, me ha influenciado mucho el cine de los años 70: Martin Scorsese, David Cronenberg, Abel Ferrara, John Carpenter, Dario Argento… Todos estos directores han creado unos arquetipos que me han ayudado a hacer las películas que hago actualmente y lo que pretendo con mi cine es hacer perdurar estos arquetipos con los que yo aprendí.

6.- Esta es tu primera película rodada íntegramente en inglés y con actores y actrices norteamericanos pero realizada fuera del circuito de Hollywood, ¿Te ves en un futuro rodando una superproducción Hollywoodiense?

No, no me veo en Hollywood para nada (risas). Cuando rodé Martyrs recibí muchas ofertas para irme allí porque eso es lo que pasa en Hollywood, cuando una película es un éxito rápidamente te vienen a buscar pero las rechacé todas. Creo que Hollywood es ese “ente” muy atractivo donde crees que llegarás y caerás bien a todo el mundo pero, a la vez, es un entorno muy duro. Siempre hago la misma comparación cuando me preguntan sobre esto: Hollywood es como la mujer a quien le das un beso pero cuando menos te lo esperas saca el cuchillo y te lo clava por la espalda (risas). Yo me siento muy europeo, muy francés y mi tipo de cine no encaja mucho con Hollywood, a no ser que me dejen rodar teniendo el control total del filme pero eso creo que es muy difícil de que ocurra.

Con Pascal Laugier en el Festival de Sitges 2012

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Cápsulas de la semana (22 de febrero 2013), SI FUERA FÁCIL, CLOUD ATLAS, BLUE VALENTINE y SIETE PSICÓPATAS

Entrevista a Antonio Méndez Esparza, director de AQUÍ Y ALLÁ

UN ASUNTO REAL (2012), cuando lo personal marca el devenir de la Historia

Cápsulas de la semana (8 de marzo 2013), LOS AMANTES PASAJEROS, DANDO LA NOTA y LAS FLORES DE LA GUERRA

SIDE EFFECTS (2013), los efectos secundarios del cine de Hitchcock

Resumen cinematográfico del 2013

Resumen cinematográfico del 2014

Desmontando a James Gray ("La otra cara del crimen")

BLANCANIEVES (2012), Berger recupera la esencia y la magia del cine mudo

SALVAJES (2012), un Stone falto de brío

LOOPER (2012), Rian Johnson nos trae el sci-fi del año

Entrevista Rian Johnson, director de LOOPER

SKYFALL (2012), la reinvención del espía como regalo de 50 cumpleaños

EN LA CASA (2012), cuando realidad y ficción son sólo una

HOLY MOTORS (2012), el cine como forma de vida, el cine como expresión artística, el cine como ARTE

Entrevista a Cesc Gay, director de UNA PISTOLA EN CADA MANO

UNA PISTOLA EN CADA MANO (2012), un sincero retrato de la figura del hombre

LOS MISERABLES (2012), los rostros de la desgracia

Resumen cinematográfico del 2012

Entrevista con Pascal Laugier, director de EL HOMBRE DE LAS SOMBRAS: "No quería que me encasillaran en el cine gore"